sábado, 14 de febrero de 2009

Veinte canciones de amor... y un valentín desesperado



Para celebrar este 14 de febrero, fecha internacional del día del amor, y al que los menos afortunados también exigen sea el día de la amistad, el foro ATN se enorgullece en presentar su tercer proyecto compilatorio, esta vez dedicado, claro que si, a l'amour.

"Veinte canciones de Amor y un Valentín desesperado" es el producto de todo un aquelarre de snobs en estado de gracia, que ha seleccionado las mejores propuestas musicales de sus miembros. Les presentamos entonces aquí, para disfrute de todos, veintiún temas de rock y géneros afines, desde los más desvergonzadamente caretas hasta los más elitistas, que conforman un conjunto de un eclecticismo rabioso. ¿El hilo conceptual? Ya saben: esa sensación agridulce que todos, incluso los más forritos, hemos tenido la (desa)fortuna de experimentar alguna vez. Este es el compilado definitivo de amor de San Valentín.

El amor en todas sus caprichosas formas y expresiones, compilado en armonías, ritmos y melodías, pero más que todo, en sentimientos, porque si, hasta los snobs tenemos sentimientos. Cada tanto.

Disfruten.


Tracklist:

01 - Almendra - Muchacha Ojos de Papel
02 - The Hollies - The Air that I Breathe
03 - Richard & Linda Thompson - For Shame of Doing Wrong
04 - Nick Cave & The Bad Seeds - The Ship Song
05 - Roy Orbison - In Dreams
06 - Bee Gees - How Deep Is Your Love
07 - Chris De Burgh - The Lady in Red
08 - Bryan Ferry - Slave to Love
09 - Virus - Pronta Entrega
10 - XTC - The Mayor of Simpleton
11 - Arcade Fire - Crown of Love
12 - Robert Wyatt - Just As You Are
13 - Jacques Brel - No Me Quitte Pas
14 - Enrique Bumbury - Aquí
15 - Los Prisioneros - Paramar
16 - John Lennon - Woman
17 - Bob Dylan - I Want You
18 - Pescado Rabioso - Blues de Cris
19 - The Gun Club - She's Like Heroin to Me
20 - The Rolling Stones - I Just Want to Make Love to You
21 - Babasónicos - Irresponsables

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COMPLETO ARTE DE TAPA DEL ÁLBUM


Liner notes:


Almendra – Muchacha Ojos De Papel
Compositor: Luis Alberto Spinetta
Disco: Almendra (1969)

Algo poco original, intente tirar algo mas bacán pero mi mente seca solo recordó estos dos temas del flaco, esta, la primera de la serie, es una canción que trascendió harto y probablemente conozco, es una de las mejores baladas de amor no solo del rock en español, sino que de la historia, un tema simplemente hermoso escrito para una de las primeras novias de Spinetta, un temazo.

The Seeker


The Hollies - The Air That I Breathe
Compositor: Albert Hammond/ Mike Hazel
Disco: Single (1974)

La versión de los Hollies de un tema que primero cantó Phil Everly, de Everly Brothers, es una de mis canciones favoritas de la banda, aunque se aleje mucho de su estándar rock/pop y se acerque peligrosamente a una clase de balada comercial, pero que al deconstruir la pieza nos damos cuenta que es todo lo contrario y es más un triunfo compositivo en manos de unos artesanos pop. Brillantemente producida (nótese la soltura de las guitarras acústicas), pocas veces una letra dulce y un arreglo aparentemente cursi han encajado de forma tan perfecta y maravillosa como en este tema: un auténtico poema de amor hecho canción con una majestuosa melodía y exuberantes armonías vocales. Estilísticamente, me parece, está más cerca del tipo de balada que se encuentra en Pet Sounds, con un sonido y tema que más bien es contemplativo y espiritual, sobretodo al notar que su letra es bastante poética en su simpleza: habla sobre un momento, un mero instante de verdadera felicidad que evoca una cierta paz y despreocupación, de esa que rara vez y muy efímeramente se siente al estar por fin con alguien al que te das cuenta que realmente perteneces y que, al menos por un pequeño momento de tiempo, no quisieras estar en ningún otro lugar ni hacer nada más. La canción captura perfectamente ese raro estado de ánimo y por tanto, es una cosa bastante única y suficientemente meritorio para proponerla a este romántico compilado.

Trivia: La melodía principal fue luego reutilizada nada menos que por Radiohead para su hit Creep, a tal punto que en los créditos de Pablo Honey se incluye al compositor de esta canción, Albert Hammond.

Daniel


Richard & Linda Thompson - For Shame Of Doing Wrong
Compositor: Richard Thompson
Disco: Pour Down Like Silver (1975)

Esta en realidad es una canción de desamor y amor a la vez. Desamor porque la pareja se separó hace un tiempo por causas lo suficientemente serias; amor porque empiezan a recordar las buenas épocas, a sentir nostalgia, y a pensar que tal vez pueden olvidar las heridas y volver a verse ("I wish I was a fool for you again"). Y hablo en plural porque la cantan tanto Richard como Linda, que eran pareja (y que más tarde, al separarse lo celebrarían con un amarguísimo álbum de "breakup" llamado "Shoot Out The Lights", pero lo dejamos para otro compilado). La canción es bastante emocional, aunque no tanto por la interpretación sino por las lindas melodías vocales y los sorprendentes arreglos que sincretizan un groove blusero a la ACDC (!) con acordeones pastorales (!). Posta que queda muy bien.

Fedefer


Nick Cave And The Bad Seeds - The Ship Song
Compositor: Nick Cave
Disco: The Good Son (1991)

En términos de elaboración musical, no es lo mejor de "The Good Son". Diría que todas las demás ("Weeping Song", "Lament", etc.) se hacen un curanto con ella. Pero la increíble letra (repito con mayúsculas: INCREIBLE) y la atmósfera de mantra religiosa que la materializa la convierten, sin duda, en una de las más grandes canciones de amor de todos los tiempos. ¿Qué es entonces "The Ship Song"? un tributo al amor, al amor compartido con alguien especial, y a esa aplastante sensación de estar con el otro y, aún así, admitir que no entendés demasiado qué onda. "Come loose your dogs upon me, and let your hair hang down / You're a little mystery to me, every time you come around".

Fedefer


Roy Orbison - In Dreams
Compositor: Roy Orbison
Disco: The All Time Greatest Hits (1963)

Esta canción es, con toda justicia, una de las mejores composiciones que han aparecido en cualquier álbum pop del siglo pasado. Demasiado mérito, dirán, para una pequeña gema pop de principios de los sesenta, pero una cuidadosa deconstrucción revela una verdadera innovación compositiva para su tiempo: la canción posee una brillante secuencia de secciones, cada una con una melodía distinta que se suma a la canción para no volver a aparecer y que se acopla fluidamente a la sección anterior, casi como si fuera una suite multiparte (quizás lo sea). La letra habla sobre un tipo de amor que solo es correspondido en los sueños del compositor, que evoca sentimentalmente sus frases con una cierta resignación personal, una sensación melancólicamente transmitida gracias a la magistral voz de Orbison, quien da una de sus performances definitivas.

Para agregarle todo un nuevo sentido a este tema, les recomiendo ver la genial (y perversa) película Blue Velvet, cuya famosa secuencia donde aparece me hizo engancharme definitivamente a esta canción.

Daniel


Bee Gees - How Deep Is Your Love
Compositor: Bee Gees
Disco: Soundtrack Saturday Night Fever (1977)

Una las canciones de amor más famosas de todos los tiempos. Los Gibb están en su mejor momento, y lo demuestran en esta canción. El que más se luce es Barry con su famoso falsette. Un temazo. Infaltable en un compilado romántico.

Sargento Peppers


Chris De Burgh - The Lady In Red
Compositor: Chris De Burgh
Disco: Into The Light (1986)

Una canción espectacular. Tiene una excelente interpretación vocal y una melodía MEMORABLE. Y ni hablar de esa guitarra rítmica de fondo, que es simple pero extremadamente. adictiva. Y ah, la letra es espectacular, especial para usarla para conquistar a alguna mina en el día de los enamorados (o cualquier día).

N. del E. - Trivia: ¿Sabían que Chris De Burgh es argentino? Mirá vos.


Sargento Peppers


Bryan Ferry - Slave To Love
Compositor: Bryan Ferry
Disco: Boys & Girls (1985)

Un temazo, siempre me encantó. Lo que más me gusta es el ritmo de la canción, esa especie de solo de guitarra y la voz de Bryan. Me cuesta decir cosas de un temazo como este.

Sargento Peppers


Virus - Pronta Entrega
Compositor: Federico Moura/Julio Moura
Disco: Locura (1985)

Virus se dedicó a hacer un puñado de canciones que perfectamente podrían llenar y llenar compilados sobre el amor. Sin embargo, más que del amor, son canciones sobre el deseo. Y el deseo se puede cristalizar en eso que llaman amor. Pronta Entrega está en ese limbo: entre el desenfreno de los cuerpos con el alcohol y la música, pero también en una excitación mucho más íntima, que podría ser el estar como pareja. La voz de Moura frasea como si estuviera redactando una carta “… recordando tu expresión, vuelvo a desear… esas noches de calor, llenas de ansiedad.” Notable.

Vórtice.Marxista


XTC - The Mayor Of Simpleton
Compositor: Andy Partridge
Disco: Oranges and Lemons (1989)

Así es presento un tema de XTC en el compilado, este tema solo diré que lo pensé en proponer en el duelo de 16vos. Mayor of Simpleton fue el mayor éxito de XTC en las radios comerciales, es un tema con una estructura demasiado simple para lo que la banda nos tenia acostumbrado, la letra es también en cierto sentido simple pero en eso recae toda su belleza, el tema habla de un tonto que se enamora, una persona que no puede hacer grandes cosas, no destaca en mucho, pero que solo simplemente puede decir a su pareja que la ama, creo que el mensaje es simple, déjense de tonterías, déjense de pretender y solo di que la amas, les apuesto que con solo 3 o 4 escuchas no dejaran de tararear el tema.

Jose Antonio


Arcade Fire - Crown Of Love
Compositor: Arcade Fire
Disco: Funeral (2004)

Dejo esta hermosa balada perteneciente al disco debut de la banda canadiense Arcade Fire que pese a parecer demasiado empalagosa, se me hace muy adictiva. La banda nos muestra que se puede hacer una canción que encuadra perfectamente en el canon de "canción romántica", y pese a eso presentar una letra interesante y arreglos que hacen a esta canción diferente a las demás.

Clop


Robert Wyatt - Just As You Are
Compositor: Alfreda Benge/Robert Wyatt
Álbum: Comicopera (2007)

Soy un sujeto demasiado duro como para poner las canción de Diego Torres que me habían presionado, así luego de hacer varias indagaciones en mi cabeza me decidí por la brillante Just As You Are, una perfecta canción de amor escrita por el ex-baterista de Soft Machine y Matching Mole con su esposa para Comicopera, su último trabajo. Esta es una composición que se focaliza sobre la aceptación del otro en una relación amorosa (?). La canción es una de esas composiciones Wyattanas que mezclan extraña y perfectamente el pop con el jazz. Wyatt hace en esta ocasión un magnífico dueto con la cantante Mónica Vasconcelos, dándole a la canción una sensación de "pregunta-respuesta". Quiero destacar la colaboración del guitarrista Paul Weller que va coloreando sutilmente la canción.

Clop


Jacques Brel - Ne Me Quitte Pas
Compositor: Jacques Brel
Disco: La Valse à mille temps. (1959)

Ahora que se ha mencionado "mucho" a Jacques Brel mando lo que creo es una de las mejores canciones de amor jamás escrita, en mi humilde opinión, Ne me quitte pas seria algo así como "no me abandones" y fue el primer éxito de Jacques Brel y lo que lo consolidó como artista en Francia, el tema es un ruego desesperado por no ser abandonado por una mujer, pero el ruego solo va en un lamento el ruego va en hacer promesas desesperadas para conservar su amor, que se transmite en frases tan hermosas como: “te ofreceré/perlas de lluvia venidas de países/donde no llueve". Al final de una serie de hermosas promesas y esperanzas por resurgir con su relación, Jacques da por perdido el hecho de recuperar a su amor y ruega, casi suplica en convertirse una sombra de su mujer en conformarse con solo verla. El tema quizás sea conocido por la versión de Scott Walker, pero realmente como ya se menciono el tema de Walker pierde mucho además de que la letra fue cambiada para su inadaptación en ingles.

Jose Antonio


Enrique Bunbury - Aquí
Compositor: Enrique Bunbury
Disco: Hellville de luxe (2008)

Si algo no se puede negar a Enrique Bunbury es la sinceridad en muchos de sus temas. Así pues, muchas de sus canciones están directamente relacionadas con aspectos de su vida, sus amores, sus vivencias, incluso sobre hechos concretos, como "No fue bueno, pero fue lo mejor", canción inspirada en una fugaz retirada de los escenarios debida a un mal momento personal. Su último disco reza en el interior de la funda del vinilo "Un disco de Enrique Bunbury para José Girl". José Girl es actualmente su novia, la persona que le ha devuelto la alegría tras su ruptura con Nona, una mujer que durante muchos años fue el gran amor de su vida (y a la cual también pueden encontrarse varias referencias en su obra). "Aquí" es el tema que cierra su último disco. Y francamente, creo que es una de las declaraciones de amor hechas canción más hermosas que he oído."

Matusalén


Los Prisioneros - Paramar
Compositor: Jorge González
Disco: La Voz de los 80 (1984)

No existe ningún limite entre el amor y el desamor. Para amar es necesario el sufrimiento, para lograrlo “tu identidad debes falsear”, llegar a tierra, o directamente, crecer. Esta letra juvenil de Jorge González (18 años) nos habla de ese estado que es el enamoramiento, el cual no se sabe si es amor u odio el que se siente por la otra persona. La confusión y la inestabilidad emocional (“nunca pensé que justo este invierno, sería el más frío que he visto pasar…”) que manifiesta esta canción hasta el día de hoy me sigue pareciendo asombrosa. Si bien es una letra juvenil, es en mi opinión una de las mejores letras escritas sobre lo que significa aprender a amar.

Vórtice.Marxista


John Lennon - Woman
Compositor: John Lennon
Disco: Double Fantasy (1980)

Una de las más hermosas canciones que ha hecho John en su vida. La voz de John cantándole a su amada es excelente, y ni hablar de la letra, la cuál es muy emocionante y me imagino que a cualquiera de nosotros nos gustaría escribir algo así para una mina. Lo mejor de la canción esta sin dudas en esa SUBLIME, MAGISTRAL y BELLA melodía.

Sargento Peppers


Bob Dylan - I Want You
Compositor: Bob Dylan.
Disco: Blonde On Blonde (1966)

Un tema clásico de Bob Dylan es, al igual que la otra canción electa, una elección tradicionalista por dos razones: 1.- últimamente (quizá por el tiempo que duré sin saber nada del foro) parece como si estuvieran hablando en chino para mí. Regresar a los clásicos es como un antídoto contra el esnobismo tan de moda entre Uds. 2.- soy un completo ignorante que no baja música desde hace un año y medio porque no tiene anti virus. Tengo que comprar discos (originales, por supuesto) y eso limita todavía más mis horizontes musicales y mi ya de por sí anquilosado dogmatismo. Pero Bob Dylan está bien siempre ¿no? Se supone que ésta está dedicada a Joan Baez y me parece una pieza nada convencional, con una letra críptica pero excitante y una melodía inmortal.

Atte: Juan Ramón Velázquez Mora.


Pescado Rabioso - Blues De Cris
Compositor: Luis Alberto Spinetta
Disco: Desatormentándonos (1972)

Unos años después las cosas con la musa de su tan reconocido tema (Muchacha Ojos de Papel) no marcharon tan bien al punto de llegarle a componer este blues lleno de ira, con su grupo Pescado Rabioso, algo mas furioso donde sentencia "Sus ojos al final olvidaré".

The Seeker


The Gun Club - She’s Like Heroin To Me
Compositor: Jeffrey Lee Pierce
Disco: Fire Of Love (1981)

Todo esto del amor parece muy lindo, meloso y dulce. Pero el amor, el amor posta, es un sentimiento peligroso. Tiene demasiadas fases, trucos y engaños. El amor de veinte años de casados, por ejemplo, ya es más fraternal que otra cosa; existe, no digo que no, pero embalsamado e inofensivo, bien cuidado tras las puertas de un museo de recuerdos, cosas compartidas y hastío para que no haga daño a nadie. Pero cuando uno es joven el amor es tan genial que puede ser una reverenda mierda. Cuando uno es joven lo más parecido al amor es la droga. Una cosa que te hace polvo, que te desborda de las cuencas y que te da un placer irracional. ¿Qué mierda tiene que ver San Valentín con todo eso? Quién sabe. Inspirado en esta analogía se me ocurrió mandar esta rotunda canción de amor de The Gun Club. Punk o rockabilly o las dos cosas. Importa poco: "She's Like Heroin To Me" es ese amor que quema, que está a un paso de la muerte y, por ende, más vivo que nunca. "I'm looking up and God is saying "What you're gonna do?" / I'm looking up and I'm crying "I thought it was up to you!!!".

Fedefer


The Rolling Stones - I Just Want To Make Love To You
Compositor: Willie Dixon
Disco: The Rolling Stones (1964)

El siempre covereado/plagiado Willie Dixon sembró el germen para esta reinterpretación stoneana (casi no hacían covers en esas épocas ¿verdad?) que básicamente escupe sexo. Sexo=amor=sexo=blues=sexo=amor etc ¿no? Es la canción perfecta para dedicar un catorce de febrero: bien básica, directa y tan tradicional como el "old in-out in-out".

Atte: Juan Ramón Velázquez Mora.


Babasónicos - Irresponsables
Compositor: Adrián Rodriguez/Mariano Dominguez
Disco: Infame (2003)

Infame es un disco para regalar en el día de San Valentín. Es un disco plenamente romántico. Y con todo lo que significa esta palabra. El disco comienza con este tema; y primero que todo, deja en claro que el romanticismo antes que cualquier cosa es “pasión”. Irresponsables es un tema apasionado, delirante, erótico y profundamente persuasivo. Persuade al oyente ante las declaraciones de un Adrián Dargelos convencido de que su amor lo volvió loco, sea lo que sea este amor, ya no es el mismo de ayer: embriagado por el licor del amor, en un carnaval interminable, que averguenza seguir sintiéndolo, o que se es carne de una intriga casquivana. Las metáforas y las imágenes de esta letra no caen ningún puto lugar común, sin embargo, el tema es un éxito de la música pop de los últimos años. Que cualquiera goza y hace para sí, pese a que el tema es rock. Quizás la cita constante del tema hacia Sandro da pistas para entender ese brillante fenómeno.

Vórtice.Marxista

jueves, 5 de febrero de 2009

Amaral - Pájaros en la cabeza



1. El Universo sobre mi
2. Días de verano
3. Revolución
4. Mi alma perdida
5. Marta, Sebas, Guille y los demás
6. Esta madrugada
7. Big Bang
8. Enamorada
9. Tarde para cambiar
10. En el río
11. Resurreción
12. Confiar en alguien
13. Salta
14. No soy como tú

No sé por qué, pero decidí que este sería el primer disco que comentaría para este blog. Quizá porque en el fondo es un disco al que tengo mucho aprecio, y pese a ser bastante famoso, nunca acabe de ser lo suficientemente reconocido entre los verdaderos aficionados a la música. A estas alturas en el mundo hispano no hace falta mucho decir quienes son Amaral, pero aún así haré un repaso a su trayectoria. Amaral son un dúo español, formado por Eva Amaral, cantante, y Juan Aguirre, guitarrista. Empezaron de la manera más humilde, siendo totalmente deconocidos, actuando en pequeños bares de Zaragoza, aún antes de tener temas propios y dedicarse a tocar temas de sus artistas favoritos, normalmente ante poco público. En 1998 consiguieron lanzar su primer disco, autotitulado, que no tuvo demasiada repercusión pero les valió para poco a poco ir haciéndose un hueco en el panorama. Su segundo álbum, "Una pequeña parte del mundo" fue mucho mejor acogido, y tuvo un verdadero hit como fue "Cómo hablar", y su tercer álbum, "Estrella de mar", fue todo un fenómeno. Les convirtió en estrellas del pop español, quizá en las mayores estrellas del momento, superando en popularidad a gente que llevaba años en lo alto y con una carrera más larga.

Así, en 2005 salió "Pájaros en la cabeza", su cuarto larga duración. Recuerdo que el disco anterior le gustó mucho a mi padre, y por consiguiente yo lo escuché mucho en mi casa, y más allá de resultarme agradable, no me llamaba demasiado la atención, aunque intuía que al contrario que otros, hacían una música bastante respetable y auténtica. Pero cuando lanzaron este disco, algo cambió, y me rendí a su música, y hoy día me gusta toda su discografía. ¿Qué podemos encontrar aquí? Bueno, pues mayormente es una colección de temas pop, comercial, con melodías que enganchan a la primera. Nada transgresor. ¿Qué lo hace tan especial? Pues que estas canciones no sólo son grandes composiciones sino que rebosan actitud. Cada tema está lleno de vida, de personalidad, cada canción tiene su propia indiosincrasia. Hay algo en el sonido del disco, no sé de qué vendrá, si de la producción, que es cristalina y transparente como el vidrio, de la propia interpretación de Eva y Juan o de los maravillosos arreglos instrumentales que van de la instrumentación rockera al acompañamiento orquestado. Pero hay algo que hace a este disco especial.

El tema con el que comienza, "El universo sobre mí", fue la canción que me hizo realmente interesarme por ellos, y el primer single que se extrajo del disco. Fue un éxito descomunal y no me extraña, pues es todo un manual sobre como hacer un buen pop. Se inicia con un teclado que imita una flauta sobre la que no tarda Eva en cantar de manera pletórica, y se puede notar que es un tema muy especial. Rebosa de vitalidad, de alegría, y al mismo tiempo tiene unos versos bastante inteligentes. Una canción con la que directamente conecto de manera inevitable, y al margen de eso, creo que una composición inolvidable. "Días de verano" fue otro de los singles, y muestra algo que no habían intentado todavía, un acercamiento a la estética del Sur de España, sin perder su característico toque de pop rock. Un tema guiado por un riff espectacular, no tan inmediato como su precedesor, pero a la larga se revela como una gran canción. "Revolución" por el contrario es un tema más rockero, algo similar a momentos puntuales anteriores de su discografía, como "El centro de mis ojos" de su anterior disco. Aunque la letra es reinvindicativa, la canción transmite más alegría y vitalidad que otra cosa, y no es de extrañar que se haya convertido en un himno. "Mi alma perdida" es lo que podría llamarse un típico tema de Amaral, una canción un poco más discreta pero nada desdeñable, una balada más intima con una aceptable letra romántica. Yo personalmente la olvido pronto cuando comienza "Marta, Sebas, Guille y los demás", una canción terriblemente buena, musicalmente increíble, que integra al estilo de Amaral las mejores influencias del pop clásico de los 60, no hay más que escuchar ese pegadizo beat, o la armónica, muy beateliana. La letra redondea la canción: nos cuentan la historia de un grupo de amigos, posiblemente los amigos reales de Eva y Juan. Aquel que acabó viviendo en Argentina, aquella que se fue a Barcelona y con la que se perdió el contacto, uno que tuvo un hijo, se entregó a la vida familiar y se olvidó de sus amigos, y mientras tanto, estos dos, en medio de una gira, viendo amanecer en un hotel de Santiago de Chile.

"Esta madrugada" es un tema sencillo y muy agradable donde Amaral repasan un tema bastante recurrente en sus letras, los tiempos de juventud, recordar aquellos años de locura y desenfreno e inconsciencia, de sentirse radical e incomprendido. Llama mucho más la atención "Big bang" por ser seguramente la canción más potente grabada por estos hasta la fecha. Con una agresividad casi punk, pero al mismo tiempo muy melódica, con uno de esos típicos estribillos cantados por Eva abusando de sus posibilidades como cantante (que por cierto, tiene una voz increíble, y en directo da la talla de manera magistral), "Big bang" es un temazo con todas las letras. Le sigue "Enamorada" quue, como contraposición, el uno de los temas más tranquilos de la discografía del grupo, una bonita balada que tiene buena atmósfera y de nuevo Eva canta con una pasión y una voz magnífica, pero que quizá sea el tema menos destacable del disco. "Tarde para cambiar" es otro de esos temas que uno llamaría "típicamente Amaral", más cercanos a sus primeros discos, que no sorprenden, pero que irremediablemten gustan porque muestran a la banda haciendo algo que ya dominan de sobras. Un torrente de arreglos de cuerdas da entrada a "En el río", una canción trepidante y agresiva, de corte ecologista, y basada en un sueño que Eva tuvo. Como curiosidad, aunque menciona a su padre, con quien soñó, este murió sin que ella pudiera conocerle. "Resurrección" vuelve a la senda de luz y color que lleva la mayoría del disco, de nuevo en un magnífico pop alegre y dinámico. El estribillo es una terrible explosión, y el motivo principal del tema, esos "U-u-u-u-u-u-u-u-uuuh" son simplemente geniales.

Empieza la recta final con "Confiar en alguien", un tema hermoso cuya letra es un grito desesperado en busca de amor y comprensión. Y las dos últimas quizá podrían ser los dos temas más dispares del disco. El primero, un pop alegre rebosante de júbilo, que no obstante se llama "Salta", y el segundo, "No soy como tú", un tema oscuro y depresivo que narra una especie de presente post-apocalíptico, con una leve influencia de Massive Attack, me da la sensación. En este último además colabora el cantaor flamenco Enrique Morente, dando un toque algo distinto al tema, que efectivamente suena bastante original, al menos en comparación con otros temas del grupo sin ser una canción estrictamente rompedora. De todas maneras, "En sólo un segundo", la canción que cierra el anterior disco, también influenciada por el trip-hop, es mucho más poderosa y espectacular.

Y bueno, más o menos esto es. Un disco variado, divertido, emotivo, bien compuesto, bien interpretado y lleno de actitud. Y diré más, es el mejor disco pop en castellano que he escuchado. Sus catorce canciones fluyen sin un solo mal momento y con demasiados momentos buenos. Disfrutad de esta gran banda del presente. Id a verles si tocan en vuestra ciudad. Quizá algún día eso ya no sea posible, y quien dentro de veinte años los descubra como banda clásica del rock español lamentará no haberlos vivido en su máximo apogeo.

BAJAR DISCO

martes, 3 de febrero de 2009

Mad Season - Above (1995)


  1. Wake Up
  2. X-Ray Mind
  3. River Of Deceit
  4. I'm Above
  5. Artificial Red
  6. Lifeless Dead
  7. I Don't Know Anything
  8. Long Gone Day
  9. November Hotel
  10. All Alone

Como ha sido natural en la historia del rock, los grandes músicos de distintas bandas se reúnen para lanzar discos o realizar giras bajo el nombre de otra banda y así hacer el sueño real de tener una “superbanda”. Podríamos pensar – bajo muy distintas circunstancias - en Cream, en Blind Faith, en Crosby, Stills and Young, o en los Traveling Willburys, como bandas de este tipo. Más cercanos en el tiempo están Temple Of The Dog, banda formada por otros resabios grunge como Criss Cornell, Stone Gozard y Eddie Vedder. Y está también Mad Season, de la cual hablaremos.

En pleno apogeo grunge, con la muerte de Cobain muy cercana, Mike McCready (guitarrista de Pearl Jam) reúne a Layne Staley (vocalista de Alice In Chains) para hacer un proyecto distinto al sonido que Seattle por ese entonces se identificaba: el grunge. La idea era hacer blues rock, volver a los clásicos, y sonar de hecho como una banda de fines de los 60 y principios de los 70. Aparte de estos dos miembros estaban Barret Martin, batería de los Screaming Trees y John Baker Saunders, bajista de The Walkbouts, ambos músicos de bandas asociadas a la movida noventera de Seattle. Lo que resultó si bien tuvo un sonido distinto a lo que hacía por ejemplo Pearl Jam y Alice In Chains, Mad Season igual se terminó identificando con el grunge, y si por hoy, buscamos información de Mad Season o la clasificación de su música, veremos que de todas formas, existe el sello “grunge”. De ahí nos da para pensar que el grunge no sólo responde a un estilo musical, sino que fue realmente un movimiento o una escena.

Mad Season en un comienzo tocan en pequeños bares, donde improvisan viejos temas del blues y así también componen – a partir de eso - sus propias canciones. Las agendas de las propias bandas de estos músicos no les permitía grabar material, pero se dieron un espacio a principio del 95 con el ingeniero de sonido de Pearl Jam Brett Elison, y así grabar Above, a la postre el único material que registró Mad Season.

El disco fue un éxito por la época, más que nada por la fama que tenían Pearl Jam y Alice In Chains y porque simplemente el disco era buenísimo, en una época en la cual se privilegiaba la calidad musical antes que otra cosa. Es que eran los noventa y el rock estaba de moda, pensemos que es un año en el cual discos como Mellon Collie And Infinite Sadness es disco de platino y oro en todo el mundo, o que bandas como Blur, Oasis y Radiohead al otro lado del Atlántico son la mayor atracción de la juventud. Bajo este contexto de libertad que la misma industria brindaba al rock, estos músicos se dan el lujo de hacer un disco honesto, simplemente de hacer la música que les gustaría oír, rock primario, bluesero sin otra pretensión que esa.

Mad Season es el nombre que se le da a la estación del año en que los hongos alucinógenos se encuentran en período de recolección. Mad Season, al igual que Alice In Chains, nace en su totalidad del genio compositivo de Layne Staley. El nombre de la banda de cierta forma marca la diferencia estética que tiene con Alice In Chains. Lo digo en el sentido de que AIC es una banda que en un 95% habla de la experiencia de Staley con la heroína. Podríamos perfectamente hacer una genealogía de la discografía de AIC con el efecto devastador que produjo la heroína en el cuerpo de Staley. Sin embargo, Mad Season, aparte de ser un interludio del vocalista con su banda oficial, es también un interludio en la creación a partir de las drogas. El tema que abre el disco ejemplifica en mi opinión esto último, ya “Wake Up” es un llamado a vivir, pero a vivir a partir de una demacración, casi endógena que Staley nos quiere trasuntar. Este tema contiene una tensión tan particular que es imposible abstraerse de ese feeling, de paz que se busca sin poder encontrarla. Son un poco más de 7 minutos brillantes en donde Staley repite y repite “Wake up young man, it's time to wake up…” El testimonio del drogadicto acá es muy distinto al testimonio que existe en AIC por parte de Staley, en Above y en particular en “Wake Up” la paz o ese estado de relajación que imprime el tema jamás se había visto ni se volverá a ver en una canción de Staley. Es que pones la canción y es imposible no resistirse al encanto que tiene, es un temazo de 10 puntos, como decía por la letra, por el feeling del tema, pero por sobre todo por la exquisita instrumentación, el solo en la mitad del tema de McCready, la delicada percusión y los arreglos del teclado en gran parte del tema. “Wake Up” para muchos ES ABOVE, es el pico del disco.

“River Of Deceit” fue uno de los singles del disco, la presentación de lo que era Mad Season para todos. En el video se ve un Layne Staley mucho menos sicótico que en los videos de AIC, con esa estética siempre tan dura, acá no, pareciera que Mad Season y en particular “River Of Deceit” son la tranquilidad que Staley no encontraba. El tema trasunta todo eso, tiene cierta relación con “Wake Up”, pero está enfocado mucho más en su gancho pop que está más definido, lo digo por su coro sobre todo. El riff inicial de McCready es fenomenal. Dentro de estos temas más calmos y no tan marcados por la presencia principal del riff eléctrico, sino que de cierta forma son más experimentales, encontramos una de mis favoritas del disco: “Lone Gone Day”. Tema que tiene un aire medio tropical, pero podríamos pensar en un tropicalísimo psicodélico. Es una especie de bossa nova, marcado por el predominio de la percusión, un xilófono y un contra-bajo, que contienen toda la fuerza de la canción. Es tan genial el tema que el solo de saxo en la mitad de la canción es un arreglo brillante que aparece de forma inesperada. En este tema canta Mark Lanegan (vocalista de Screaming Trees) junto con Staley, y el dueto vocal es sencillamente fenomenal, sobre todo por las diferencias de tono que ambos vocalistas presentan, cuando entra a cantar Staley en un tono más agudo es notabilísimo. A mi gusto es uno de los momentos más altos del disco, sobre todo por las colaboraciones de Lanegan y del saxofonista Eric Walton.

Si hablábamos del nombre Mad Season y su relación con los hongos alucinógenos, podríamos ya entender un poco que la psicodelia que existe en Above es otra que esa psicodelia sicótica de los discos de AIC. “X-Ray Mind” por ejemplo es esa otra psicodelia que aludo, el riff puede ser aún todavía sabbathiano, pero sin embargo dispara para otro lado, quizás ronda más cerca de cosas como Santana. Y esa es otra clave de este disco, que podríamos pensarlo como un disco mucho más “afro americano” que cualquier otra cosa no sólo de Alice In Chains sino que del grunge en general. La influencia del blues, que cruza absolutamente todo el disco, también es adornado con influencias de la música latina por ejemplo y que se notan en “X-Ray Mind” con ese riff santaniano. Pero lo más blues de este disco vive en “Artificial Red”, la banda acá es poseído por un espíritu bluesero ancestral. McCready sobre todo hace explotar su guitarra con sendos riffs mientras Staley se encarna en un negro del Missisipi, sólo que éste es blanco y es del estado de Washington. El tema es notable, en sus 6 minutos y algo que dura, es para muchos otros de los puntos altos del disco.

Los temas digamos más hard rock del disco son tres, está “I’m Above”, “Lifeless Dead” y “I Don’t Known Anything”. La primera es otro dueto con Mark Lanegan que tiene Staley, el tema tiene un cambio de ritmo espectacular que ronda el minuto 2, cuando la batería y la voz de Staley descontrolan el progreso lento y calmo que tenía la canción. Por su parte, “Lifeless Dead” contiene uno de los momentos más identificables con Alice In Chains, es decir, perfectamente Staley podría haber puesto este tema en un disco de AIC. El riff es puro Black Sabbath y Staley gritando su maldición congénita: lifeless dead. El tema es duro, McCready creo que en ningún momento de Pearl Jam sonará así, sinceramente, pensando en muchos temas de Pearl Jam, no tienen esta veta más sabbath, su música si bien rockea en grandes momentos siempre ha sido más cercano a la tradición del hard rock a lo Zeppelin. Pero luego de “Lifeless Dead” viene otro de los éxitos del disco “I Don’t Known Anything”, tema que perfectamente cabe dentro de un disco de Alice In Chains también, pero este me gusta mucho más que el anterior. Es que el riff sincopado, monótono que tiene, es intervenido por ese estribillo marca registrada Layne Staley: estribillo demencial, sicótico, poseído absolutamente. El fraseo es tan demente que no puedes sacarte la melodía de la cabeza en varios días luego de escucharla. Soy de la opinión que este tema más allá de ser un punto alto de Above es uno de los momentos más grosos del rock de los noventa, un puto clásico a esta altura.

Los dos últimos temas del álbum son lo más experimental que trae Above. “November Hotel” es el instrumental del disco, una progresión de 7 minutos, con una guitarra muy protagónica, acá los riffs de Staley (que toca la guitarra también) y McCready son lo principal, en una lucha de riffs fenomenal. Y el tema que cierra el álbum es “All Alone”, una rareza podríamos pensar, comparado con todo el otro material del álbum, aunque como cierre me parece perfecto, de cierta manera el inicio de “Wake Up” y el fin de “All Alone” son un contraste más que atractivo.

Above es uno de los mejores de rock de los noventa, eso es indiscutible, otra seña más del talento de unos de los genios de los noventa, Layne Staley, que el infierno lo guarde en su maldito reino.