Amaral - Pájaros en la cabeza

1. El Universo sobre mi
2. Días de verano
3. Revolución
4. Mi alma perdida
5. Marta, Sebas, Guille y los demás
6. Esta madrugada
7. Big Bang
8. Enamorada
9. Tarde para cambiar
10. En el río
11. Resurreción
12. Confiar en alguien
13. Salta
14. No soy como tú

No sé por qué, pero decidí que este sería el primer disco que comentaría para este blog. Quizá porque en el fondo es un disco al que tengo mucho aprecio, y pese a ser bastante famoso, nunca acabe de ser lo suficientemente reconocido entre los verdaderos aficionados a la música. A estas alturas en el mundo hispano no hace falta mucho decir quienes son Amaral, pero aún así haré un repaso a su trayectoria. Amaral son un dúo español, formado por Eva Amaral, cantante, y Juan Aguirre, guitarrista. Empezaron de la manera más humilde, siendo totalmente deconocidos, actuando en pequeños bares de Zaragoza, aún antes de tener temas propios y dedicarse a tocar temas de sus artistas favoritos, normalmente ante poco público. En 1998 consiguieron lanzar su primer disco, autotitulado, que no tuvo demasiada repercusión pero les valió para poco a poco ir haciéndose un hueco en el panorama. Su segundo álbum, "Una pequeña parte del mundo" fue mucho mejor acogido, y tuvo un verdadero hit como fue "Cómo hablar", y su tercer álbum, "Estrella de mar", fue todo un fenómeno. Les convirtió en estrellas del pop español, quizá en las mayores estrellas del momento, superando en popularidad a gente que llevaba años en lo alto y con una carrera más larga.

Así, en 2005 salió "Pájaros en la cabeza", su cuarto larga duración. Recuerdo que el disco anterior le gustó mucho a mi padre, y por consiguiente yo lo escuché mucho en mi casa, y más allá de resultarme agradable, no me llamaba demasiado la atención, aunque intuía que al contrario que otros, hacían una música bastante respetable y auténtica. Pero cuando lanzaron este disco, algo cambió, y me rendí a su música, y hoy día me gusta toda su discografía. ¿Qué podemos encontrar aquí? Bueno, pues mayormente es una colección de temas pop, comercial, con melodías que enganchan a la primera. Nada transgresor. ¿Qué lo hace tan especial? Pues que estas canciones no sólo son grandes composiciones sino que rebosan actitud. Cada tema está lleno de vida, de personalidad, cada canción tiene su propia indiosincrasia. Hay algo en el sonido del disco, no sé de qué vendrá, si de la producción, que es cristalina y transparente como el vidrio, de la propia interpretación de Eva y Juan o de los maravillosos arreglos instrumentales que van de la instrumentación rockera al acompañamiento orquestado. Pero hay algo que hace a este disco especial.

El tema con el que comienza, "El universo sobre mí", fue la canción que me hizo realmente interesarme por ellos, y el primer single que se extrajo del disco. Fue un éxito descomunal y no me extraña, pues es todo un manual sobre como hacer un buen pop. Se inicia con un teclado que imita una flauta sobre la que no tarda Eva en cantar de manera pletórica, y se puede notar que es un tema muy especial. Rebosa de vitalidad, de alegría, y al mismo tiempo tiene unos versos bastante inteligentes. Una canción con la que directamente conecto de manera inevitable, y al margen de eso, creo que una composición inolvidable. "Días de verano" fue otro de los singles, y muestra algo que no habían intentado todavía, un acercamiento a la estética del Sur de España, sin perder su característico toque de pop rock. Un tema guiado por un riff espectacular, no tan inmediato como su precedesor, pero a la larga se revela como una gran canción. "Revolución" por el contrario es un tema más rockero, algo similar a momentos puntuales anteriores de su discografía, como "El centro de mis ojos" de su anterior disco. Aunque la letra es reinvindicativa, la canción transmite más alegría y vitalidad que otra cosa, y no es de extrañar que se haya convertido en un himno. "Mi alma perdida" es lo que podría llamarse un típico tema de Amaral, una canción un poco más discreta pero nada desdeñable, una balada más intima con una aceptable letra romántica. Yo personalmente la olvido pronto cuando comienza "Marta, Sebas, Guille y los demás", una canción terriblemente buena, musicalmente increíble, que integra al estilo de Amaral las mejores influencias del pop clásico de los 60, no hay más que escuchar ese pegadizo beat, o la armónica, muy beateliana. La letra redondea la canción: nos cuentan la historia de un grupo de amigos, posiblemente los amigos reales de Eva y Juan. Aquel que acabó viviendo en Argentina, aquella que se fue a Barcelona y con la que se perdió el contacto, uno que tuvo un hijo, se entregó a la vida familiar y se olvidó de sus amigos, y mientras tanto, estos dos, en medio de una gira, viendo amanecer en un hotel de Santiago de Chile.

"Esta madrugada" es un tema sencillo y muy agradable donde Amaral repasan un tema bastante recurrente en sus letras, los tiempos de juventud, recordar aquellos años de locura y desenfreno e inconsciencia, de sentirse radical e incomprendido. Llama mucho más la atención "Big bang" por ser seguramente la canción más potente grabada por estos hasta la fecha. Con una agresividad casi punk, pero al mismo tiempo muy melódica, con uno de esos típicos estribillos cantados por Eva abusando de sus posibilidades como cantante (que por cierto, tiene una voz increíble, y en directo da la talla de manera magistral), "Big bang" es un temazo con todas las letras. Le sigue "Enamorada" quue, como contraposición, el uno de los temas más tranquilos de la discografía del grupo, una bonita balada que tiene buena atmósfera y de nuevo Eva canta con una pasión y una voz magnífica, pero que quizá sea el tema menos destacable del disco. "Tarde para cambiar" es otro de esos temas que uno llamaría "típicamente Amaral", más cercanos a sus primeros discos, que no sorprenden, pero que irremediablemten gustan porque muestran a la banda haciendo algo que ya dominan de sobras. Un torrente de arreglos de cuerdas da entrada a "En el río", una canción trepidante y agresiva, de corte ecologista, y basada en un sueño que Eva tuvo. Como curiosidad, aunque menciona a su padre, con quien soñó, este murió sin que ella pudiera conocerle. "Resurrección" vuelve a la senda de luz y color que lleva la mayoría del disco, de nuevo en un magnífico pop alegre y dinámico. El estribillo es una terrible explosión, y el motivo principal del tema, esos "U-u-u-u-u-u-u-u-uuuh" son simplemente geniales.

Empieza la recta final con "Confiar en alguien", un tema hermoso cuya letra es un grito desesperado en busca de amor y comprensión. Y las dos últimas quizá podrían ser los dos temas más dispares del disco. El primero, un pop alegre rebosante de júbilo, que no obstante se llama "Salta", y el segundo, "No soy como tú", un tema oscuro y depresivo que narra una especie de presente post-apocalíptico, con una leve influencia de Massive Attack, me da la sensación. En este último además colabora el cantaor flamenco Enrique Morente, dando un toque algo distinto al tema, que efectivamente suena bastante original, al menos en comparación con otros temas del grupo sin ser una canción estrictamente rompedora. De todas maneras, "En sólo un segundo", la canción que cierra el anterior disco, también influenciada por el trip-hop, es mucho más poderosa y espectacular.

Y bueno, más o menos esto es. Un disco variado, divertido, emotivo, bien compuesto, bien interpretado y lleno de actitud. Y diré más, es el mejor disco pop en castellano que he escuchado. Sus catorce canciones fluyen sin un solo mal momento y con demasiados momentos buenos. Disfrutad de esta gran banda del presente. Id a verles si tocan en vuestra ciudad. Quizá algún día eso ya no sea posible, y quien dentro de veinte años los descubra como banda clásica del rock español lamentará no haberlos vivido en su máximo apogeo.

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Mad Season - Above (1995)

1. Wake Up
2. X-Ray Mind
3. River Of Deceit
4. I'm Above
5. Artificial Red
6. Lifeless Dead
7. I Don't Know Anything
8. Long Gone Day
9. November Hotel
10. All Alone

Como ha sido natural en la historia del rock, los grandes músicos de distintas bandas se reúnen para lanzar discos o realizar giras bajo el nombre de otra banda y así hacer el sueño real de tener una “superbanda”. Podríamos pensar – bajo muy distintas circunstancias - en Cream, en Blind Faith, en Crosby, Stills and Young, o en los Traveling Willburys, como bandas de este tipo. Más cercanos en el tiempo están Temple Of The Dog, banda formada por otros resabios grunge como Criss Cornell, Stone Gozard y Eddie Vedder. Y está también Mad Season, de la cual hablaremos.

En pleno apogeo grunge, con la muerte de Cobain muy cercana, Mike McCready (guitarrista de Pearl Jam) reúne a Layne Staley (vocalista de Alice In Chains) para hacer un proyecto distinto al sonido que Seattle por ese entonces se identificaba: el grunge. La idea era hacer blues rock, volver a los clásicos, y sonar de hecho como una banda de fines de los 60 y principios de los 70. Aparte de estos dos miembros estaban Barret Martin, batería de los Screaming Trees y John Baker Saunders, bajista de The Walkbouts, ambos músicos de bandas asociadas a la movida noventera de Seattle. Lo que resultó si bien tuvo un sonido distinto a lo que hacía por ejemplo Pearl Jam y Alice In Chains, Mad Season igual se terminó identificando con el grunge, y si por hoy, buscamos información de Mad Season o la clasificación de su música, veremos que de todas formas, existe el sello “grunge”. De ahí nos da para pensar que el grunge no sólo responde a un estilo musical, sino que fue realmente un movimiento o una escena.

Mad Season en un comienzo tocan en pequeños bares, donde improvisan viejos temas del blues y así también componen – a partir de eso - sus propias canciones. Las agendas de las propias bandas de estos músicos no les permitía grabar material, pero se dieron un espacio a principio del 95 con el ingeniero de sonido de Pearl Jam Brett Elison, y así grabar Above, a la postre el único material que registró Mad Season.

El disco fue un éxito por la época, más que nada por la fama que tenían Pearl Jam y Alice In Chains y porque simplemente el disco era buenísimo, en una época en la cual se privilegiaba la calidad musical antes que otra cosa. Es que eran los noventa y el rock estaba de moda, pensemos que es un año en el cual discos como Mellon Collie And Infinite Sadness es disco de platino y oro en todo el mundo, o que bandas como Blur, Oasis y Radiohead al otro lado del Atlántico son la mayor atracción de la juventud. Bajo este contexto de libertad que la misma industria brindaba al rock, estos músicos se dan el lujo de hacer un disco honesto, simplemente de hacer la música que les gustaría oír, rock primario, bluesero sin otra pretensión que esa.

Mad Season es el nombre que se le da a la estación del año en que los hongos alucinógenos se encuentran en período de recolección. Mad Season, al igual que Alice In Chains, nace en su totalidad del genio compositivo de Layne Staley. El nombre de la banda de cierta forma marca la diferencia estética que tiene con Alice In Chains. Lo digo en el sentido de que AIC es una banda que en un 95% habla de la experiencia de Staley con la heroína. Podríamos perfectamente hacer una genealogía de la discografía de AIC con el efecto devastador que produjo la heroína en el cuerpo de Staley. Sin embargo, Mad Season, aparte de ser un interludio del vocalista con su banda oficial, es también un interludio en la creación a partir de las drogas. El tema que abre el disco ejemplifica en mi opinión esto último, ya “Wake Up” es un llamado a vivir, pero a vivir a partir de una demacración, casi endógena que Staley nos quiere trasuntar. Este tema contiene una tensión tan particular que es imposible abstraerse de ese feeling, de paz que se busca sin poder encontrarla. Son un poco más de 7 minutos brillantes en donde Staley repite y repite “Wake up young man, it's time to wake up…” El testimonio del drogadicto acá es muy distinto al testimonio que existe en AIC por parte de Staley, en Above y en particular en “Wake Up” la paz o ese estado de relajación que imprime el tema jamás se había visto ni se volverá a ver en una canción de Staley. Es que pones la canción y es imposible no resistirse al encanto que tiene, es un temazo de 10 puntos, como decía por la letra, por el feeling del tema, pero por sobre todo por la exquisita instrumentación, el solo en la mitad del tema de McCready, la delicada percusión y los arreglos del teclado en gran parte del tema. “Wake Up” para muchos ES ABOVE, es el pico del disco.

“River Of Deceit” fue uno de los singles del disco, la presentación de lo que era Mad Season para todos. En el video se ve un Layne Staley mucho menos sicótico que en los videos de AIC, con esa estética siempre tan dura, acá no, pareciera que Mad Season y en particular “River Of Deceit” son la tranquilidad que Staley no encontraba. El tema trasunta todo eso, tiene cierta relación con “Wake Up”, pero está enfocado mucho más en su gancho pop que está más definido, lo digo por su coro sobre todo. El riff inicial de McCready es fenomenal. Dentro de estos temas más calmos y no tan marcados por la presencia principal del riff eléctrico, sino que de cierta forma son más experimentales, encontramos una de mis favoritas del disco: “Lone Gone Day”. Tema que tiene un aire medio tropical, pero podríamos pensar en un tropicalísimo psicodélico. Es una especie de bossa nova, marcado por el predominio de la percusión, un xilófono y un contra-bajo, que contienen toda la fuerza de la canción. Es tan genial el tema que el solo de saxo en la mitad de la canción es un arreglo brillante que aparece de forma inesperada. En este tema canta Mark Lanegan (vocalista de Screaming Trees) junto con Staley, y el dueto vocal es sencillamente fenomenal, sobre todo por las diferencias de tono que ambos vocalistas presentan, cuando entra a cantar Staley en un tono más agudo es notabilísimo. A mi gusto es uno de los momentos más altos del disco, sobre todo por las colaboraciones de Lanegan y del saxofonista Eric Walton.

Si hablábamos del nombre Mad Season y su relación con los hongos alucinógenos, podríamos ya entender un poco que la psicodelia que existe en Above es otra que esa psicodelia sicótica de los discos de AIC. “X-Ray Mind” por ejemplo es esa otra psicodelia que aludo, el riff puede ser aún todavía sabbathiano, pero sin embargo dispara para otro lado, quizás ronda más cerca de cosas como Santana. Y esa es otra clave de este disco, que podríamos pensarlo como un disco mucho más “afro americano” que cualquier otra cosa no sólo de Alice In Chains sino que del grunge en general. La influencia del blues, que cruza absolutamente todo el disco, también es adornado con influencias de la música latina por ejemplo y que se notan en “X-Ray Mind” con ese riff santaniano. Pero lo más blues de este disco vive en “Artificial Red”, la banda acá es poseído por un espíritu bluesero ancestral. McCready sobre todo hace explotar su guitarra con sendos riffs mientras Staley se encarna en un negro del Missisipi, sólo que éste es blanco y es del estado de Washington. El tema es notable, en sus 6 minutos y algo que dura, es para muchos otros de los puntos altos del disco.

Los temas digamos más hard rock del disco son tres, está “I’m Above”, “Lifeless Dead” y “I Don’t Known Anything”. La primera es otro dueto con Mark Lanegan que tiene Staley, el tema tiene un cambio de ritmo espectacular que ronda el minuto 2, cuando la batería y la voz de Staley descontrolan el progreso lento y calmo que tenía la canción. Por su parte, “Lifeless Dead” contiene uno de los momentos más identificables con Alice In Chains, es decir, perfectamente Staley podría haber puesto este tema en un disco de AIC. El riff es puro Black Sabbath y Staley gritando su maldición congénita: lifeless dead. El tema es duro, McCready creo que en ningún momento de Pearl Jam sonará así, sinceramente, pensando en muchos temas de Pearl Jam, no tienen esta veta más sabbath, su música si bien rockea en grandes momentos siempre ha sido más cercano a la tradición del hard rock a lo Zeppelin. Pero luego de “Lifeless Dead” viene otro de los éxitos del disco “I Don’t Known Anything”, tema que perfectamente cabe dentro de un disco de Alice In Chains también, pero este me gusta mucho más que el anterior. Es que el riff sincopado, monótono que tiene, es intervenido por ese estribillo marca registrada Layne Staley: estribillo demencial, sicótico, poseído absolutamente. El fraseo es tan demente que no puedes sacarte la melodía de la cabeza en varios días luego de escucharla. Soy de la opinión que este tema más allá de ser un punto alto de Above es uno de los momentos más grosos del rock de los noventa, un puto clásico a esta altura.

Los dos últimos temas del álbum son lo más experimental que trae Above. “November Hotel” es el instrumental del disco, una progresión de 7 minutos, con una guitarra muy protagónica, acá los riffs de Staley (que toca la guitarra también) y McCready son lo principal, en una lucha de riffs fenomenal. Y el tema que cierra el álbum es “All Alone”, una rareza podríamos pensar, comparado con todo el otro material del álbum, aunque como cierre me parece perfecto, de cierta manera el inicio de “Wake Up” y el fin de “All Alone” son un contraste más que atractivo.

Above es uno de los mejores de rock de los noventa, eso es indiscutible, otra seña más del talento de unos de los genios de los noventa, Layne Staley, que el infierno lo guarde en su maldito reino.

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Los Tepetatles - Arau A Go-Go (1965)

01 - The Tepetatles
02 - Cordobés
03 - Zona Rosa
04 - Que Te Pique El Mozambique
05 - El Último Romántico
06 - Sitting
07 - Rockturno
08 - Teotihuacán A Go Go
09 - Sniff Sniff Gulp Gulp
10 - Tlalocman
11 - Los Monstruos
12 - El Peatón Estaba Muerto Y El Semáforo Lloraba

Hablar del rock mexicano y ¿Por qué no? De todo el rock latinoamericano puede ser algo frustrante, la mayor parte trata de un movimiento sin identidad propia que solo se limita a estar atento a lo que la corriente inglesa y norteamericana del rock produce para después copiar y adaptar con gran destiempo los movimientos que los pioneros van creando, como ya bien lo mencionan los prisioneros en su canción We are Sudamerican rockers o el grupo mexicano Naftalina en su disco Historia del rock nacional, lo nuestro es un rock dedicado a emular a los demás.

El rock en México de finales de los 50s e inicio de los 60s representa perfectamente lo que menciono. La mayor parte era representado por grupos de jóvenes de clase media alta y alta que solo hacían en un principio adaptaciones al español de los éxitos norteamericanos y después lo harían con grupos de la invasión inglesa, esto era en el mejor de los casos ya que en el peor solo sacaban un cover idéntico y sin variaciones a la canción original.

Dentro de esa estéril escena nacional surgió por allá de principios del año de 1965 lo que se podría considerar como la primera grabación indie del rock mexicano. En aquel tiempo se podía ver en escasas tiendas de música de la Ciudad de México , un disco de color rojo en donde aparecía el rostro de 2 individuos, uno al fondo soltando una plena carcajada y el otro dando una especie de grito. Se puede decir que era una especie de portada que no esperábamos ver en aquella época, ya que las disqueras decidían casi siempre tomar una foto del grupo y ya, no había mucho espacio para el desarrollo artístico tanto en la portadas como en la música.

El grupo vemos que esta formado por una serie de personajes muy peculiares como integrantes de la banda Carlos Monsiváis (Escritos y critico político) Alfonso Arau (Actor y director de cine), José Luis Cuevas (Pintor, escritor y escultor), Julián Bert (Unico verdadero músico del grupo el cual fue músico de sesión de Bill Halley) y como colaborador en algunas letras Chava Flores (Musico y poeta urbano)

Al ver todo ese grupo de gente que poco tiene que ver con el mainstream musical de aquella época en México puede ser la explicación del porque pudieran sacar quizás no un disco excelente pero si uno de los mas originales de aquel año de 1965 y que además era cantado completamente en español y acompañado de composiciones propias en su total.

El disco abre con una melodía homónima al nombre del grupo hasta me atrevería a decir que tiene cierta actitud pre-punk no me refiero al lado músical, si no en la letra de la canción ante la frase que dice “..que ante nuestro grito los Beatles perezcan monjas encerradas…” “…Y los tepetatles han llegado ya...” Quizás exagere pero no puedo evitar ver que con eso quieren dar una patada a todo el mainstream del rock e imponer su sonido aunque no fuera en la onda de lo que se consideraba cool. Cordobés tiene una introducción de surf garagero, con letras cantadas en ingles y español un tema que de seguro es dedicado al famoso torero, la carne aquí esta en ese sonido surf infeccioso y que se pone en competencia con las bandas pioneras del surf garage. Zona Rosa es un homenaje a una de las zonas mas populares de la ciudad de México, la estructura musical es muy básica aquí, no tengo mucho que comentar acerca de esto, la única zona rosa que conozco es la de nuestros días y dista mucho de la elegancia que describe el tema, pero quizás este acompañada de cierta ironía. Que te pique el Mozambique es un tema divertido en donde se hace un pequeño juego de palabras acompañadas de un ritmo muy divertido, que me recuerda en cierto sentido al grupo Café Tacuba y que no dudo que lo tomara de ejemplo al escribir sus letras del primer disco. El ultimo romántico Es una balada tocada en tiempo de vals en donde el grupo confiesa que trata de ser “..Cruel y romántico…” como exigen los tiempos modernos, pero no puede evitar caer en los clásicos tópicos de los enamorados, quizás refiriéndose a que se sienten algo mas identificados con los músicos de la vieja escuela, que con el movimiento de sus tiempos. Sitting no es un tema que le encuentre que destaque mucho, musicalmente tiene unas notas de guitarra muy atractivas. Rockturno Podría ser el tema dedicado a la misma chica de el último romántico, el cual contiene una música que contiene cierto toque que te invita a moverte y que junto con la letra y los coros que hablan de batear, no se puede evitar imaginarse una especie de cinismo del grupo, una canción en donde por mas que ruega e implora al final es deshechado. Teotihuacon a go go un rock a go go donde se ensalzan trabalenguas junto con unas deliciosas líneas de bajo y percusiones prehispánicas. El tema tiene poco mas de un minuto de duración y es a partir de aquí en donde los nombres de las canciones empiezan a volverse mas peculiares. Snif Snif Gulp Gulp seria la balada de un llorón, quizás el mismo de rockturno, aquí el tipo abandonado describe sus sentimientos y acciones.Cada línea cantada es seguida por onomatopeyas como grunch, gulp, toc. Tlalocman Para los que no sepan Tlaloc es el dios de la lluvia en la mitología azteca. Tlalocman es una especie de nuevo súper héroe mexicano , el cual tiene que balancear una vida donde usa sus súper poderes para vencer villanos, ver mujeres y pagar quincenas. Los Monstruos es como el rock que todos cantaríamos al conocer a la familia de nuestras novias, trata de un chico lleno de miedo viendo el álbum familiar de su pareja, en donde hace comparaciones grotescas entre la familia de ella, para después hacerlas con su familia y confiesa el temor que sienta al estar cerca la boda. El peatón estaba muerto y el semáforo lloraba Quizás uno de los temas mas divertidos en donde el que canta es una especie de conductor imprudente el cual transita por las calles de la Ciudad de México y describe con la misma dosis de humor que acompaña el disco como atropella y mata viejitas, para después sobornar policías y poder salir del apuro y conducir de nuevo para atropellar a mas ancianos y repetir el mismo ciclo.

Los tepetatles solo sacaron este disco, quizás no sea el mejor disco de rock en español pero como ya lo dije al principio no se puede negar la originalidad y autonomía a la hora de componer, el tratar de olvidar los patrones establecidos del mainstream y tratar de buscar una identidad nacional que después seria imitada por grupos como Café Tacuba en México.

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José Antonio

Dioptria - Pau Riba (1970)

DISCO 1:

1. Kithou

2. Rosa d'abril (l'amor s'hi posa)

3. Noia de Porcellana

4. Ars erotica (non est mihi)

5. Ja s'ha mort la besàvia

6. Helena, desenganyat

7. Mareta bufona

8. Vostè (tu, tu mateixa)

DISCO 2:

1. Cançó 7a en colors

2. *L'home estàtic*

3. Simfonia 1

4. Simfonia 2

5. Simfonia 3

6. Taxista

Si existe una obra del rock en catalán que pueda llamarse revolucionaria esa es Dioptria. Sí, Dioptria fue, y aún hoy es, un hito en el rock del pequeño triángulo que hay al este de España, e incluso, podríamos decir que de la misma España. Y es que no todos los días, un loco joven sucio, drogado y en medio de un régimen fascista se pone a rockear en su idioma lanzando un grito a toda la sociedad. Mucho menos alguien que es nieto de un gran poeta, pero burgués al fin y al cabo. Sí, así era y es aún el señor Pau Riba.

Hablar de Dioptria hoy es todo un problema. No, no está prohibido, ni censurado, ni nada de eso. Pero al tener DOS Dioptria nos viene el problema. Resulta que tenemos Dioptria I en 1970 y Dioptria II en 1971. El primero tenía bolsa doble, y debía contener al segundo, incluso lista los temas... pero no estan. No sé si no estaban terminados, o si la discográfica no se atrevió a sacar los dos al mismo tiempo. La cosa es que esos dos son uno y los voy a tratar como tal, como se hace en todo lugar que se precie.

Tenemos dos discos que son uno, pero a la vez son diferentes. El primero rockea, el segundo son devaneos místicos folk que vuelven loco. El primero critica a la mujer. El segundo al hombre. El primero está lleno de furia y palabras hirientes. El segundo proclama la máxima hippie de unión con la naturaleza. Pero conviven, para llamar a la sociedad en pleno franquismo, para decirles “¿no estáis hartos de tanto conformismo?”. Se puede decir que estaba Llach, Raimon y otros músicos de la Nova Cançó para esa crítica. Pero ninguno de los dos lo había hecho de esta forma. Mientras aquellos se ponían a cantar serios, con sus guitarras, clamando a la libertad, Riba (metafóricamente) se baja los pantalones y muestra el culo a todo el país. Se ríe de las tópicas mujeres: amas de casa, jovencitas santas, esposas insatisfechas. Le canta las cuarenta al hombre estático, que no se mueve aún viendo que todo va mal. Pero lo hace metiéndose en la piel de todo. Nos habla de Kithou, de Elisabeth, de Conxita Casas, de Helena. Luego nos cuenta de él mismo, porque al fin y al cabo, él es ese hombre que critica. Y no solo en la lírica es diferente a los cantautores mencionados antes. Dije que ellos tomaban la guitarra y a cantar. Riba toma una banda de rock, para hacer mucho más ruido, porque no quiere protestar en realidad, el quiere hacer la música que le gusta, siendo esto su única protesta.

Y bien, hay reflexiones para mucho rato sobre este álbum, pero lo importante es lo que hay grabado, los temas, a lo que voy. Riba era fan de Dylan, de Hendrix y por otra parte la canción folklórica catalana. Y esto en resumen es lo que oímos en el álbum.

Vayamos al disco 1. Llama mucho la atención como destacan las guitarras y como rockean, en 1970, cuando el rock era la especialidad de los ingleses. Solo hace falta escuchar el primer tema para darse cuenta de todo: Kithou. Una intro de guitarras nos hace pensar en el Floyd de Syd Barrett, pero entonces BUM salta la guitarra solista para romper con todo. Riba, con una melodía muuy demente nos habla de una joven alegre, bella, correcta, con la que bailaba en la plaza por las noches. No hay nada de feroz en la letra, pero lo frenético de la música me hace pensar en algo sucio en todo ello. No sé si debe ser así. En todo caso la crítica empieza con la siguiente pieza, Rosa d’abril (l’amor s’hi posa). Con una música que recuerda al Dylan de Highway 61 Revisited Riba canta a Elisabeth, una muchacha francesa con la que pasó una noche corta y de la que nunca volverá a saber nada. Le canta con una rosa en las manos, que le habría de regalar según la tradición, pero acaba lanzando al aire decidido a olvidarla. El tema que viene se gana el nombre de clásico y a pesar de contener la melodía y música más suave del disco, es el tema más irónico y cruel de Dioptria. Noia de Porcellana empieza como una bella balada acústica, a la que se van añadiendo instrumentos, como una flauta, un piano y una melodiosa guitarra eléctrica que solo embellecen la canción. También se le añade una percusión que le va dando un alegre ritmo. Mientras la música nos empalaga la letra dice “Chica de porcelana, buscaba una alma dentro de ti, y eso era como buscar mariposas blancas en la nieve”, y entre otras, la perfecta estrofa final “Chica de porcelana, que quieres que te den sin dar nada? Eres fría e inhumana, te preocupas de cinco a siete”. La chica fina, delicada, virginal, que vive para hacer lo correcto. Chica que seguramente de mayor será como la señorita Conxita Casas, protagonista del siguiente tema , Ars Erotica (non est mihi). La loca burla a la mujer que lleva años buscando marido para tener hijos. Una mujer con los pechos caídos, con unas bragas enormes, sostenes como sacos de grano... y... debería poner toda la letra para que se viesen la genial descripción que hace Riba en este genial ROCK. Un rock muy jazzero que hace moverse al más estático, con una parte intermedia con algunas vocecitas bastante divertidas. Si el anterior era un clásico este no es menos. Seguimos con un réquiem a una bisabuela, Ja s'ha mort la besàvia, de la que parece que se esperaba la muerte con muchas ganas. El tono lúgubre del tema no lo hace muy atrayente, pero tiene detalles acústicos y de órgano muy interesantes, y un final bastante curioso. Helena, desenganyat, el himno a la chica que se ha hecho mayor y le cuentan de que va la vida un poco. Con una intro muy barroca con flauta, se da entrada a una melodía muy poppie para un intermedio musical con piano y guitarra y unos coros en crescendo llegando al clímax final para hacer de este uno de mis temas favoritos. Mareta Bufona le sigue, y aunque se hace un poco tedioso por la loca voz de Riba tiene unos arreglos bastante interesantes. Musicalmente se parece demasiado a los temas anteriores, cosa que lo hace inferior. Para acabar el primer disco, otro temazo: Vosté (tu, tu mateixa). Se trata del insulto definitivo de Riba a la mujer. Empieza suave con solo la voz de Riba a la que se añaden guitarras, panderetas, y poco a poco toda la banda para estallar con el grito final “te estoy llamando PROSTITUTA!”. Una mujer que “calla siempre y obedece, se esconde y reza)” porque así lo marca la tradición, haciendo y yendo donde le dicen porque “tienes los ojos llenos de flores, y la boca, nariz y orejas, para ignorar el grito y el lloro”. A cada estrofa agarra más potencia, para acabar con el máximo de potencia que ofrecen los dos discos.

Toca el segundo disco, a mi parecer no tan bueno, pero que a pesar de esto contiene el mejor tema de los dos, L’home estàtic. Vendría a ser lo que es Desolation Row para Dylan, para Pau, salvando las diferencias claro. Antes de hablar de los temas de este segundo disco, se ha de decir que el cambio estilístico es notable, ya que todos los arreglos de aquí son muy folk, al estilo de Tyrannosaurus Rex , ese dúo donde estaba Marc Bolan antes de aprender a hacer rock. Cançó 7ª en colors ya muestra todo esto con la intro de bongos a los que se suman las guitarras acústicas y Pau canta muy fumado sobre los cambios de estaciones en la cabeza de un tipo, donde primero crece hierba, luego flores, vienen pájaros... bah, es una locura! A pesar de eso, a mi me gusta bastante la melodía y locura que respira el tema, pero, representaba que estaba criticando al hombre! Que es esto? Ah, ahora viene eso. L’home estàtic, el temazo del disco. La intro de dos acústicas ya hace pensar en algo grande que viene, y los primeros versos cantados por Riba lo confirman. Habla de la vida de un hombre estático, desde su nacimiento hasta la muerte. Narrando diferentes situaciones de su vida muestra como le pasa de todo por delante sin que el llegue a reaccionar, perdiendo el amor y todas las oportunidades que surgen ante él, lo que le acaba matando. No hay mucho para contar de ella, pero me encanta. Escúchenla atentos, denle atención a la letra, busquen una traducción, es genial. Le siguen al tema 3 sinfonías, siendo destacables la primera, la segunda (que se trata de un rock! al parecer quedaba algo de guitarra eléctrica en este disco) y algún fragmento de la tercera. La temática aún no me queda clara ni a mí. Para finalizar tenemos el tema Taxista, donde la guitarra eléctrica vuelve a asomar y que se trata de una continuación de un tema con el mismo nombre que había sacado en 1968, donde pedía a un taxista que le llevase al cielo, porque buscaba trabajo. Ahora dice que ya no lo lleve al cielo, porque en cierta forma, ya no quiere encajar en esa sociedad. Empieza acústica y jazzera, para terminar rock y loca. Un bonito final, aunque no a la altura del primer disco.

En fin, merece ser escuchado. Todo catalán por lo menos debería hacerlo para conocer algo de su identidad. Porque más allá de todo nacionalismo, hay personas, hay humor, hay ganas de vivir, formas de hacer. Todo no catalán, pero fan del rock, también debería escucharlo. Se trata de una obra bastante competente musicalmente y con una actitud 100% rock.

Acá los links:

Disco 1

Disco 2

Samuel

Pequeña introducción al blog ATN

Hola, les explicare un poco de que se trata esto. Este blog está hecho para desarrollar dos ideas salidas de All Together Now, un foro de discusión de musica rock y otras cosas.

La primera idea es dejar acá los compilados relizados por un miembro de nuestra comunidad (Monkey Man) a base de las canciones que le envían miembros de la comunidad. Estos compilados son temáticos y se realizan mensualmente. El primero que realizamos tenía como tema la navidad o canciones de temas navideños y de fin de año. Para este mes de enero estamos preparando el compilado de "canciones en lenguas que no sean ni inglés ni español". Los dos que acabo de mencionar, más los que se aproximan en el futuro, serán colocados acá a la descarga de todos.


La segunda idea es mas ambiciosa y compleja: se trata de formar un "Magazine musical", formado a base de la colaboración de los miembros del foro. Esperamos que este proyecto comience muy pronto, como solemos idear y poner en práctica siempre en nuestra irreverente y creativa comunidad, por lo que ocuparemos este espacio para ensayar los primeros contenidos de la revista, poniendo diversos artículos, revisiones de música y demás.

Para enterarse de más cosas vayan directo a nuestro foro http://alltogethernow.freeforums.org/index.php

The Seeker