Aquelarre de Snobs

Pata Negra, Guitarras Callejeras (1983)

2009-06-03T00:42:00.000-07:00

A lo largo de los años 70, grupos como Triana o Smash habían iniciado la expansión del flamenco hacia otros estilos como el rock o el prog. No obstante, el mundo gitano vivía totalmente ajeno a esto. Todo esto cambió cuando los hermanos Amador y Kiko Veneno (catalán afincado en Andalucía) publicaron su celebérrimo Veneno, disco clave en la evolución de la música española que mezclaba el flamenco con el blues y la rumba con la mayor naturalidad del mundo. Este disco dejaba entrever una pareja de guitarristas brillantes, Rafael y Raimundo Amador (sobre todo éste último, que contaba 17 años en ese momento), capaces de entremezclar estilos fácilmente, de forma orgánica y nada forzada. La tripleta Amador- Veneno, colaboró con Camarón en su Leyenda del Tiempo en 1979, álbum que definitivamente sacudió los cimientos del mundo flamenco y gitano, con la fusión del estilo hacia otros horizontes firmada por el cantaor más purista y celebre del momento. Este trabajo supuso el pistoletazo de salida para la apertura definitiva del mundo gitano hacia otros estilos. Un año después, Paco de Lucia tocaría con Al DiMeola y John McLaughin, mixturando el flamenco con el jazz, la música tropical, el rock, etc. La fusión en España se consolidó.

En 1981, ya sin Kiko Veneno, los hermanos Amador formaban Pata Negra. En 1983, editaban su mejor disco, Guitarras Callejeras, un trabajo que únicamente presenta a los dos hermanos tocando y cantando, sin ningún otro instrumento. Una especie de básico de la fusión, en su faceta más íntima. Un hipotético tablao flamenco en Nueva Orleáns sonaría así. Guitarras Callejeras es un disco fresco, natural, donde los hermanos dan rienda suelta a su gusto por el blues, la rumba y el flamenco, con los impresionantes punteos de Raimundo Amador y la rítmica de Rafael, con letras inventadas y divertidas. Una invitación a una tarde de tapas y guitarras con el grupo, que intercambia gracias, punteos, ritmos, chistes… El grupo ya se pondría más serio con sus discos consiguientes (Blues De La Frontera es su disco más ambicioso, con bajos, músicos de sesión experimentados, onda más jazz ocasionalmente, coros…). Aquí solo hay diversión pura, talento y guitarreo en los arrabales de Jerez por obra y gracia de una de las mejores parejas guitarreras que he conocido. La Pata Negra es una de las mejores interpretaciones de guitarra habidas y por haber, deben escucharla una vez al menos. Jazz, flamenco, blues, bossa y rumba retozan entre raciones de chipirones. Disfruten.

01.- Juan Charrasqueando
02.- Rock del Cayetano
03.- Morao Mellizo
04.- Ratitas Divinas
05.- Pata Palo
06.- La Pata Negra
07.- Los Managers

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COMPILADO: ASESINOS Y MUERTE

2009-06-02T18:16:00.000-07:00

Eso... asesinos y muerte.

Más información en el booklet incluído en la descarga.

LISTADO DE CANCIONES:

01 - RALPH STANLEY - O Death
propuesto por Darcy

02 - THE ROLLING STONES - Midnight Rambler
propuesto por Daniel
03 - JOHNNY CASH - Cocaine Blues
propuesto por José Antonio
04 - JOAN BAEZ - Banks of the Ohio
propuesto por Darcy
05 - SUFJAN STEVENS - John Wayne Gacy, Jr.
propuesto por Clop
06 - NEIL YOUNG - Cortez The Killer
propuesto por The Seeker
07 - THE MOTHERS OF INVENTION - My Guitar Wants to Kill Your Mama
propuesto por Gustavo
08 - MÄGO DE OZ - T'esnucaré Contra'l Bidé
propuesto por Samuel
09 - METALLICA - Creeping Death
propuesto por Vortice.Marxista
10 - PHIL COLLINS - In The Air Tonight
propuesto por Nielssen
11 - THE POLICE - Murder by Numbers
propuesto por fedefer
12 - BOB DYLAN - Ballad of Hollis Brown
propuesto por José Antonio
13 - VICTOR JARA - Cruz de Luz, Camilo Torres
propuesto por The Seeker
14 - BRUCE SPRINGSTEEN - Nebraska
propuesto por Daniel
15 - THE PIXIES - Dead
propuesto por fedefer
16 - RUBÉN BLADES - Sicarios
propuesto por Clop
17 - ICED EARTH - Wolf
propuesto por Salva M.
18 - LOS FABULOSOS CADILLACS - El Carnicero de Giles
propuesto por Vortice.Marxista
19 - NICK CAVE AND THE BAD SEEDS - The Mercy Seat
propuesto por Samuel
20 - THE DECEMBERISTS - The Shankill Butchers
propuesto por Clop

Descarga el compilado aquí:

http://www.megaupload.com/?d=VB69KBYP

Todas las canciones a bitrate variable 192-320, booklet de 40 páginas con comentario de los proponentes e información sobre las canciones incluído.

Maitena No Tiene Ni Puta Gracia (Volumen 1)

2009-04-19T12:07:00.000-07:00

Podrá sonar extraño, pero hay mujeres que no se contentan con cocinar, lavar platos y quitarse el delantal cada tanto para ofrecer placer carnal al macho. No: hay quienes quieren hacer música. Vaya uno a saber qué desvirtuadas musas les han metido semejantes pulsiones en la cabeza, pero el caso es que existen. Mujeres que escriben canciones, que hacen rock and roll, que experimentan audazmente con sonidos, que cantan sus retorcidos mambos a un mundo impaciente. No me pregunten a dónde va a parar el modelo de familia cristiana con muchachas como éstas, pero apostemos que no será un lugar especialmente privilegiado. Para homenajear a estas insubordinadas féminas, hemos escogido nuestras canciones favoritas para preparar un compilado de música (música; no solo rock) amasada por ejemplares del sexo femenino, intitulado "Maitena No Tiene Ni Puta Gracia". El resultado es un súper-hyper-combo musical que expone a cielo abierto, por un lado, la variedad de cosas que pueden grabar un puñado de mujerzuelas intrépidas y, por otro, la variedad de cosas que pueden escuchar un puñado de hombres lo suficientemente maricones como para espiar el mundo a través de la inasequible mente femenina. Suban el volumen al tope y embárquense en este mini-tour de sexo, locura y fantasía.

01 Beth Orton - Stolen Car 5:25
Album: Central Reservation (1999)
Contribuyente: fedefer

Las relaciones fallidas proveen anualmente toneladas de materia prima para canciones desoladas y llenas de rabia. Una de ellas es "Stolen Car". Para ser completamente honestos, la letra es más críptica que el Indio Solari y Calamaro juntos; ergo, no tengo la posta sobre qué se trata. Pero hay un tipo ahí, un tipo que aparece de pronto en el living de Beth, desencadenando un tremebundo rosario de yo te dijes y vos me dijistes y demás. Evidentemente acá hay algo que no está resuelto para nada, y eso se respira en la potente voz de Beth, así como en ese tremendo, angustioso slide que se manda Ben Harper. Una excelente forma de abrir un muy buen álbum ("Central Reservation", 1999)

02 Fiona Apple - A Mistake 4:58
Album: When the pawn ... (nombre larguísimo, cortado tradicionalmente aquí) (1999)
Contribuyente: Clop

When the Pawn... es, posiblemente, el mejor disco de art-pop de los 90s, una verdadera obra maestra, y como tal, todas sus canciones rebosan de una perfección pocas veces vista, razón por la que me fue muy difícil elegir la canción del álbum que mandaría al compilado. Finalmente me decidí por A Mistake, una joya pop-psicodélica; no sé como describirla, por momentos me recuerda a los Beatles psicodélicos (esas guitarras maravillosas), pero por otros me parece demasiado "profesional", en fin, es una muy buena canción con arreglos interesantes y una hermosísima voz.

03 Isobel Campbell & Mark Lanegan - Black Mountain 3:10
Album: Ballad of the Broken Seas (2006)
Contribuyente: Clop

Este es un trabajo realizado por la bella Isobel Campbell (Belle & Sebastian) y Mark Lanegan (Screaming Trees, y Queens of the Stone Age, entre otras bandas). En esta composición, basada en la tradicional balada "Scarborough Fair", Campbell canta, además de tocar el cello y el clavicordio. Además Campbell está acompañada con un guitarrista y un bajo. Es una hermosa composición que combina elementos del folk con barroque pop.

04 Robert Plant & Alison Krauss - Sister Rosetta Goes Before Us 3:25
Album: Rising Sand (2007)
Contribuyente: Sam

No estoy muy versado en la discografia de esta mujer, pero su voz es increíble. Almenos eso me descubrió este disco en colaboración con Plant que un día recomendé al foro y miren, ganó un Grammy. Este tema (que tampoco es suyo, pero bueno) es muy dulce, y no sé. No estoy para muchos más comentarios.

05 Marina Rossell - La Gavina 4:17
Single: Penyora (1978)
Contribuyente: Sam

Marina Rossell es una de las cantautoras catalanas de más renombre por acá. Su éxito se lo trajo este tema, que no es suyo, sinó de un compositor de havaneras y sardanas llamado Frederic Sirés. De todas formas, la interpretación que le da esta tipa con su impresionante voz y los bonitos arreglos lo convierten en algo único de la Nova Cançó. Un tema mítico, para mí.

06 Friderika Bayer - Kinek Mondjam Et Vtkeimet 3:17
Album: Friderika (1994)
Contribuyente: Salva M.

comentario del compilador: canción ganadora de un concurso televisivo húngaro; lanzó al estrellato local a la chica que la canta. Para que después no digan que las chicas de Budapest solo hacen porno de mano de obra barata.

07 Camille - Paris 3:46
Album: Le Sacs Des Filles (2004)
Contribuyente: Javi

Camille es una cantante francesa con una voz prodigiosa, con la que suele experimentar en sus sonidos, llegando a grabar incluso un disco con efectos vocales unicamente. Esto no se demuestra especialmente en esta canción, pero la he elegido por el especial encanto del tema con esa onda sinfónica y sencilla a la vez en una oda irónica a Paris.

08 Lucinda Williams - Changed The Locks 4:07
Album: Live At Fillmore East (2005)
Contribuyente: matusalén

No conozco más de Lucinda que este directo, pero es suficiente por ahora. Un doble CD lleno de grandes canciones interpretadas genialmente y con un sonido de puta madre... por ahora vale para empezar. En fin... esta mujer que lleva desde el 79 sacando discos en Estados Unidos es una verdadera diva del country-rock, aunque en el mundo hispano no sea conocida. Podría haber puesto alguna canción más intimista, como "Lonely girls", que es una delicada y preciosa balada que me encanta... pero luego lo pensé, y me di cuenta de que este CD estaría ya lleno de cosas delicadas y preciosas, así que puse esta otra, donde la influencia no es tanto el country, sino el rock crudo y diabólico de Neil Young y sus Crazy Horse. Simplemente, infernal.

09 Lisa Germano - Everyone's Victim 4:44
Album: Happiness (1993)
Contribuyente: fedefer

Lisa Germano está un poco tocada y se siente la víctima de todo el mundo. No tiene más procedimiento que largarlo con su tradicional e ilustre desgano, como si estuviera cantando hecha un ovillo desde la cama. ¿El colchón? Un agusanado mantra rítmico de violines siniestros, sintetizadores a lo Talk Talk, guitarras torturadas a lo Velvet Underground, voces fantasmales, ragas pseudo-hindúes y demás lindezas. Para los que se habían pensado que la Germano era todo sunshine pop como la canción de los vestiditos... ¡Tomen! Casi un himno generacional femenino; Alanis no existís. Para escuchar al máximo volumen posible.

10 Julie Driscoll - A New Awakening 3:50
Album: 1969 (1971)
Contribuyente: Salva M.

comentario del compilador: una onda Grace Slick haciéndose la Nina Simone (?)

11 Joan Baez - Diamonds And Rust 4:48
Album: Diamonds And Rust (1975)
Contribuyente: Javi

Las versiones de Dylan de los 60 no tienen nada que hacer contra Diamond And Rust, su mejor disco sin duda. El número homónimo es una buena muestra de esto. El tema muestra un ambiente entre intrigante y bucólico, como de otro mundo, con ese motivo de guitarras acústicas de donde emerge como un canto de cisne la hermosa voz de Baez. Un tema precioso.

12 Siouxsie And The Banshees - Melt! 1:44
Album: A Kiss In The Dreamhouse (1982)
Contribuyente: vórtice.marxista

Esta es una de mis canciones favoritas de Siouxsie... Más que nada por esa teatralidad que tiene la canción, de por sí esta banda y sobre todo Siouxsie poseía una teatralidad para representar sus canciones. Los juegos de voces más esos encantadores y endemoniandos arreglos crean una obra de 3 minutos y medio demasiado entretenida. La mujer para mi nunca había sido más perversa y bella como lo es con Siouxsie.. Melt! es una grandisimo ejemplo de esta banda y de esta diva del rock.

13 Yoko Ono - Warzone 1:54
Album: Rising (1995)
Contribuyente: Julián

Digan lo que digan Yoko es una de las personalidades de vanguardia más importante del siglo XX. Su música influenció el Punk, a Can, y a grupos de new Wave como The B-52s, debería ser más reconocida y apreciada por su tamaña influencia. Pero el Beatle fan promedio se queda en su supuesta influencia en la separación del grupo de Ringo. Bueno, esta canción si no es nada rompemoldes, hace parte disco de regreso de Yoko Ono en los noventas, en el que se juntó con su hijo Sean y con otra gente e incorporó otras influencias a su ya de por sí genial música :D, metal y funk principalmente. Esta canción es un metal frenético de 1:54 (lo hubiera podido proponer para el compilado de canciones cortas), en el que la buena de Yoko desplega las mismas vocalizaciones que la hicieron famosa, pero mucho menos extremas y al ser la canción tan corta no creo que molesten al oyente promedio (Seeker)

14 Joanna Newsom - Monkey And Bear 9:28
Album: Ys (2006)
Contribuyente: Matiya

Sorprende lo rápido que puede llegar a cansar la voz de esta dulce niña, ni hablar del arpa del orto que toca.

15 Alaska Y Los Pegamoides - Bailando 5:11
Album: Grandes Éxitos (1982)
Contribuyente: vórtice.marxista

Párrafos y párrafos podríamos dedicarle a la figura de Alaska. Su importancia como ícono del destape artístico de la España de los 80 es de muchísima relevancia. La canción que propongo acá es de su segunda banda (digamos que podría haber tenido sólo una, porque los integrantes en gran parte fueron los mismos) "Alaska y los Pegamoides".. "Bailando" es quizás el mayor hit que alcanzó Alaska en su carrera. El tema es bailable, digerible y muy pop, aunque guarda algo muy post punk. Espero que se disfrute.

16 Anni Rossi - Machine 2:31
Album: Rockwell (2009)
Contribuyente: Matiya

Un tema entretenido. (mensaje de su eminencia: Como verás no pienso hacer revision del tema, asi que da igual si pones la descripcion, o las canciones mismas para lo que vale)

17 M.I.A. - Paper Planes 3:25
Album: Kala (2007)
Contribuyente: Bigmaud

Luego de ser ignorada en la sección de canciones, Mia regresa en busca de venganza ¡Con la misma canción! Paper Planes no destrozó las listas de popularidad cuando fue lanzada, sin embargo se volvió una sensación en el mundo del tipo de personas que visitan Lastfm y tienen Myspace. Yo que vivo dentro de una mazmorra apenas la conocí hace un par de meses y desde la primera vez que escuché el estupendo uso que se le da al sonido de los disparos y caja registradora quedé enamorado de la hindú esta y me bajé el resto del disco. Saludos a The Clash.

18 Patty Waters - Moon Don't Come Up Tonight 2:59
Single: Patty Waters Sings (1965)
Contribuyente: Julián

Propongo algo de Patty Waters porque seguro van a ignorar sistematicamente mi post sobre ella. Esta canción es la primera de "Patty Waters Sings" y digamos que marca muy bien la atmósfera del disco ya que casi todas (a excepción de la última) van por la misma tónica: arreglos de piano mínimos, la voz de Patty casi inasible, la atmósfera oscura, etc.

19 Joni Mitchell - Big Yellow Taxi 2:14
Single: Ladies Of The Canyon (1970)
Contribuyente: matusalén

Por mero afán de usar mis dos huecos libres propongo esta. Realmente nunca he sido muy fan de la Joni, aunque tengo original "Court and spark" y es un gran disco... pero esta canción desde la primera vez que la oí me enamoró. Simple y sin grandes alardes, el resultado es sumamente espectacular... y la risa de Joni al final es adorable.

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PARTE I
PARTE II

Radiohead: 26 de marzo (Santiago, Chile)

2009-03-31T22:27:00.000-07:00

Han pasado varios días desde el concierto de Radiohead. Es extraño que aún no me puedo sacar el timbre de voz de Thom Yorke, ni las imágenes hipnóticas proyectadas, ni mucho menos la vivencia completa e irrepetible. Es que ver en vivo a Radiohead fue un acontecimiento, mi vida la semana pasada no fue sino pensar que quedaban cada vez menos horas para el recital. Era harto rato esperando a que tocaran, era el concierto que siempre quise que sucediera, antes que ellos se disolvieran, o antes que ellos – cosa que no creo que pase – ya no fueran los mismos, y vinieran a Chile sólo para el revival de que alguna vez fueron grandes. Pero vinieron y quizás en uno de sus mejores momentos y presentando un disco del cual salí del Estadio Nacional totalmente enamorado.

Todo el concierto esperé que sonara “Paranoid Android”, era casi obvio que la tocarían, es quizás el mayor clásico de la banda. Mi espera no era porque pensaba que no la tocarían, sino porque sabía que la interpretación de ese tema sería la emoción colectiva más fuerte que se produciría en el concierto. No me equivoqué, porque a mi alrededor tipos que nunca había visto se emocionaban casi a las lágrimas cantando. Sobre todo en la parte final, donde las veinte mil y pico personas que había formaban un coro total. Me emocionaba la canción en sí, me emocionaba la sensación colectiva extraña que había, porque no era una efervescencia sino que una sensación que era la primera vez que la sentía. Los “rain down… rain down…” al unísono eran alucinantes, miraba la pantalla y Jonny Greenwood sin tocar, se quedaba en una pose de abandono, de desahucio, lo miraba y mi pecho se encogía: la sensación claro, era de congoja, pero de una especie de alegría. Eso era la extrañeza, pero una extrañeza que circuló en todo el concierto, porque uno se acostumbró a escuchar Radiohead en su soledad, es decir, si en una reunión de amigos te ponías un tema de Radiohead pasabas a ser el “aguafiestas”, Radiohead no es algo para escucharlo colectivamente, siempre lo pensé. Por eso mi expectativa con el concierto era enorme, y sobre todo con la interpretación de Paranoid Android.

¿Qué transmite Radiohead?, ¿Qué lo hace ser tan especial para mucha gente?, ¿por qué acá en Chile logró llevar 60 mil personas en dos shows? Radiohead es algo un poco indefinible. Está lo evidente, que es una banda de rock, pero es de esas bandas de rock que se tornan fenomenales, porque son en sí mismas en un fenómeno cultural. Pocas bandas de rock han sido fenómenos culturales, y las que lo han sido están en un podio. Radiohead acá en Chile agarró a cierta generación y le puso música a sus alegrías, a sus frustaciones, y sobre todo, a sus emociones. Thom Yorke no tenía para qué salir a decirlo, ni a arengar a nadie, simplemente cantó y tocó como el lo sabe hacer, y la banda completa transmitió eso indefinible que es su música. Es indefinible, porque Radiohead es una banda muy singular, ya que tiene una vibra que transmiten que es extrañísima, y que en el concierto uno la nota: estás eufórico pero a la vez hay una tristeza, una especial tristeza bella por decirlo de algún modo. Radiohead no es una banda alegre eso está claro, pero no son “depresivos” como muchas veces se les ha catalogado erróneamente. Lo que ellos transmiten es un malestar pero un malestar que no es burdo, no salen a gritártelo en la cara, sino que lo transforman en una belleza, que a su vez, tampoco es burda. Difícil ponerse a explicar qué transmite una banda como Radiohead, que es tan compleja, con tantas texturas, qué comprenden perfectamente que el rock es una cuestión contra-cultural, y que por eso mismo su postura no puede ser codificable, no puede ser algo que un periodista medio venga y lo traduzca. Acá en Chile en los noticieros centrales presentaron a Radiohead como una banda de “rock melodramático”, está muy claro que el querer clasificar la música de estos tipos es algo medio complicado, y que al clasificarlo forzosamente, suena ridículo.

El 26 de marzo del 2009 quedará como el día en que fui testigo de un evento. Evento en todo el sentido de la palabra. Sentía durante las 2 horas y media casi de show, que estaba ante algo histórico. Estaba parado viendo la presentación de la mejor banda de rock de la actualidad, y no sólo eso, sino que de los últimos 25 años, y quizás en el podio de las bandas más grandes de la historia de lo que llamamos y entendemos por rock. Pensaba que quizás haber visto a Pink Floyd el año 77 presentando Animals es comparable a lo que es Radiohead año 2009 presentando In Rainbows. Las comparaciones son por las calidades de los discos, los shows y las bandas. Si Pink Floyd existiera en el año 2009 claramente tendría un espectáculo al nivel de lo que hace Radiohead. Porque el show de Radiohead no es sólo la música, sino que toda la puesta en escena, las luces, la escenografía, las imágenes, son un fragmento más dentro de ese fragmento que se llama – por decirlo de alguna manera – la “obra Radiohead”. Herederos totales de Pink Floyd como decía, las pantallas que habían no era sólo para que el tipo de la última fila viera lo que estaba pasando en el escenario. Sino que eran un complemento más del espectáculo, y a mi modo de ver, quizás el más importante. Lo extraño es que muchos no veíamos realmente a los seis tipos tocando, sino que los veíamos por las pantallas, pero esas pantallas no “representaban” el show: lo fragmentaban. En cada canción habían tomas distintas, planos que en el tema anterior no habías visto. Las imágenes funcionan como la misma música de Radiohead: puros fragmentos, una forma extraña de articular el sonido, así también, una forma extraña de articular la imagen. Porque si bien, el “en vivo” era reproducido por las pantallas, ahí no veías “lo mismo” que pasaba en el escenario. Era otra cosa. Parecía a ratos que en las pantallas uno veía la representación de una película que se llamaba “el concierto de Radiohead”.

***

Momentos culmines: “You And Whose Army”, con la cámara en la cara de Yorke, su medio ojo mirando a nosotros como un panóptico, ironizando con el ascenso del Imperio 2001, con la tutela del Fuhrer Bush.

"Faust Arp", la toma que capturaba a Yorke y a Jonny Greenwood, esa toma más las perfectas notas interpretadas por ellos, creó un clima íntimo que es inexplicable, para la mucha gente reunida ahí. En estos dos ejemplos uno creía ver que los tipos estaban actuando, y de hecho, de cierta manera eso hacían.

Diría que todo In Rainbows fue lo más alto del show, más allá de los guiños al pasado con sendos clásicos, pero el show más que basarse en los clásicos tenía su piso en In Rainbows, era lo único que no cambiaban en los shows que se presentaron en todo el mundo. Los temas del disco sonaban perfectos, a ratos podías pensar que estabas ante un playback, ya que las canciones sonaban exactamente como suenan en los discos. Los cinco músicos en ese sentido son notables. De los temas del disco los mejores que sonaron a mi parecer fueron “All I Need”, “Videotape” y “Arpeggi”. Los demás también, pero para mi estos tres sobresalieron. Lograban algo especial, ya que las canciones al ser relativamente no eran coreadas como los temas de Ok Computer o Kid-A, pero producían un magnetismo y un respeto que yo nunca antes había visto en un concierto.

Creo que muchos – como venía diciendo - de ahí salimos enamorados del último disco de la banda. Porque por lo menos el show del 26 de marzo en Santiago fue de In Rainbows. Parecía que todos los temas estaban moldeados por el disco, era Radiohead 2009, no una banda que viene a mostrar su historial, o lo “grande que fueron alguna vez”. Cuando Radiohead hizo el disco que nadie se esperaba (Kid-A) se notó que las cosas para ellos no funcionan dentro del nostalgismo: la nostalgia surge cuando marcas una época como sobresaliente en desmedro de lo que vendrá, y hubiese sido fácil quedarse en el Ok Computer. Repetirlo hasta el cansancio, total, tienes al mundo a tus pies. Pero no, fue Kid A y un plegamiento hacia ellos mismos, no querer hacer el disco que el público quiere, sino que el disco que la banda quiere hacer. Un gesto del rock más puro, un gesto de banda clásica, y eso quizás es lo que hace a Radiohead una banda de tanto nivel, en tiempos en los cuales hay muy pocas de esas.

Set List.

1. 15 Step: era la obvia, esperaba que comenzaran con esta. La intro era una broma de mal gusto, no faltó la picardía del chileno que dijo: “tss volvieron los Kraftwerk!”
2. Airbag: cuando comenzó me surgió la primera emoción de la noche, la gente se comenzó a mover, me dejaba llevar y esperando para gritar la primera estrofa. Luego el “i am born again” fue un grito ensordecedor. Notable.
3. There There: una de las mejores canciones de Radiohead, de hecho me la esperaba de las segunda. Cuando vi que Ed’O Brien y J. Greenwood tomaban baquetas, supuse que era ella. Fue un momento alto del show, es que es un temazo.
4. All I Need: se transformó después del show en mi favorita de In Rainbow, pese a los problemas de sonido (que yo no alcancé a sentir) el tema sonó de la puta madre. C. Greenwood en el bajo me hipnotizo, le enfocaron su cara en todo el tema, y el tipo, impasible, su sobriedad es grandiosa. A mi parecer el se come la canción… bueno, cuando Yorke se sienta en el piano y el tema agarra ese in crescendo fue sublime.
5. Nude: luego del receso de casi 10 minutos, comenzó Nude, tema que en vivo agarra una onda hipnótica sin igual. Es decir, la mayoría de In Rainbows como venía diciendo tiene esa onda, pero Nude al igual que All I Need tienen mucho más esa fibra.
6. Weird Fishes/Arpeggi: el juego de guitarras es notable. La tensión que mantiene la canción me tenía con el pecho en la mano, aparte que J. Greenwood canción que pasaba me fascinaba más. Es un groso el tipo, un personaje lo posee, el tipo es el guitarrista de Radiohead, nada más que eso, no me lo imagino haciendo otra cosa. El tema se lo come él.
7. The Gloaming: cuando comenzó la canción en un momento (dentro de la locura, lo extasiado, la marihuana, lo contento, etc) la confundí con Reckoner… pero cuando capté que era The Gloaming fue una sorpresa total. Me sorprendió lo perfecto que les sale la canción, pese a su casi 100% de electrónica que hay. El paso de la iluminación verde al azul, le imprimió un color destellante a la canción. Un momento groso del show.
8. The National Anthem: uff quizás EL momento del show, en realidad es difícil decir cuál fue el momento más alto. Pero quizás es cuando el juego de luces, y todo el despliegue visual del show se manifestaba totalmente.
9. Faust Arp: ya me refería a ese momento culmine en lo visual a mi entender. No sé cómo dos guitarras acústicas y una voz lograban enmudecer a 30 mil personas.
10. Karma Police: las dos notas introductorias y el público se vino abajo. La performance en el piano de J. Greenwood notable.
11. Optimistic: Una de las que no me esperaba, me parece que en vivo adquiere otro peso que en la versión estudio no tiene. Las luces y el juego de colores, le imprimieron mucha más aridez a la canción.
12. Pyramid Song: cuando Yorke toca las primeras notas en el piano, todos viajamos. El tema fue un viaje, miraba de reojo a la pantalla y J. Greenwood disfrazado de Jimmy Page. La canción les salió perfecta y todos estábamos enmudecidos, para mi hasta ese momento era demasiado.
13. Reckoner: después de tres clásicos, volvieron a In Rainbows, con uno de los temas que desde las primeras escuchas al disco me gustó. No sé porqué a ratos creía que la voz de Yorke estaba doblada. El falsete le sale igual, es un groso vocalista.
14. Jigsaw Falling Into Place: el tema más rockero de In Rainbows, y si que es una bomba en vivo. El juego de las tres guitarras es sobresaliente, la polenta que agarra al final es indescriptible.
15. Idioteque: acá se cayeron todos. No había nadie que no bailara, el coro retumbaba… “deaf and lost are the children” eran gritados por todos, mientras Yorke bailaba y se movía poseídos por las máquinas. Fueron 5 minutos de frenesís, inolvidable.
16. Bodysnatchers: C. Greenwood levanta los brazos y comienza apludir, luego de Idioteque quedamos todos extasiados, pero el bajista nos arrima a seguir. Y suenan los acordes de Bodysnatchers… esto es rock del siglo XXI pensaba en ese momento.
17. How To Dissapear Completely: en Chile no hubo arenga con el público antes de la canción. Es más, gesto de la banda me parece de más, yo creo que le quisieron dar en el gusto a los argentinos, que tanto les gusta los discursos a las masas. Pero bueno, acá el tema tuvo el significado íntimo que por lo menos yo siempre le he visto, no por eso, el tema es a-político, sino que muy por el contrario.
18. House Of Cards: el primer bis, luego de la retirada de unos minutos. Tema que faltaba de In Rainbows, y que de cierta forma abrió nuevamente el show.
19. Just: digo que lo abrió de nuevo, porque no me esperaba este temazo. Quizás el más punk en la historia de Radiohead, y Yorke lo canta muy punk. Esperé más de The Bends, y tocaron el que menos esperé.
20. Videotape: luego del rockero Just, se vuelve al intimismo de In Rainbows con Videotape. La performance de Yorke en el piano era hermosa. Gran canción.
21. A Wolf At The Door: esta si que no me la esperaba. Una de mis favoritas de Radiohead, el tema que cierra Hail To The Thief de manera grandiosa. Me quedé sin garganta con el coro, y los “put me inside… put me inside… put me inside” me quedaron grabados hasta hoy día.
22. Paranoid Android: bueno, qué más decir sobre el tema, sólo que era el momento esperado por muchos. Luego de esta se retiraron del escenario nuevamente.
23. You And Whose Army: esta si que estaba fuera de los cálculos de todos. Pero fue a mi gusto lo que más me gustó del concierto. Primero la sorpresa, y luego, la risa colectiva, del churro que tiraron a Yorke, y este respondió “thank you”, provocando la risa de muchos que notamos ese gesto, Yorke se rió para luego meterse nuevamente en el personaje. La toma con la cara de Yorke era impactante: una de las letras más políticamente incorrectas de los de Oxford y Yorke con su medio ojo miraba y te decía: “come on, come on. Holy Roman Empire”… Atrás mío un tipo grita: “contra el Imperio conchetumadre”... Este, para mi fue el momento más político del concierto, quizás el tipo que grito y yo lo notamos, pero para mi es mucho más significativo que el discursillo de diplomacia de Ed’O Brien en Argentina.
24. 2+2=5: La esperaba, no podía irme sin escucharla. La tensión inicial era fenomenal, el “Because!” lo gritamos mucho y quedó la cagada. El momento más punks por llamarlo de algún modo en el concierto. Sabía que esto llegaba a su fin.
25. Everything In It’s Right Place: la electrónica más pura se vivió al fin del show, Ed’O Brien y J. Greenwood sentados con las máquinas, una imagen floydiana. Yo en ese momento recordaba que cuando escuché por primera vez Kid-A pensaba que Radiohead esos temas eran irreproducibles en vivo… me reía al pensar que lo estaba viendo totalmente en vivo, y que sí, se podían tocar. Con esta se fueron… y ya no quedaba nada.
26. Creep: se sabía que cuando sonara Creep era el final del show. Sonó y algo de risa nos dio a algunos cuando comenzó, pero había que cantarla. A fin de cuentas es el clásico de la banda… terminó y me fui feliz. Nunca antes me había sentido así, una felicidad de este tipo.

Hacela corta

2009-03-17T16:43:00.000-07:00

La hicimos corta pues, y salió muy larga. Larguísima. Flor de paradoja: hora y cuarto de música en canciones de menos de dos minutos, de esas que siempre se pasan volando, sea cual sea el álbum de origen. ¿La idea? Agrupar la mayor cantidad posible de estas canciones en un solo compilado, para que de alguna manera se alarguen, para que perduren un poco más. Y sí, salió: en cuanto termina una, enseguida arranca otra, alejándonos de cualquier tentación de decir "¡qué corta!"; la sensación, aún hasta el final del compilado, es que la diversión acaba de empezar. El resultado es, además, un fascinante itinerario-mosaico de texturas y momentos y recodos y humores eclécticos que se van hilando finamente como hebras, alcanzando pequeños climax como en un orgasmo múltiple para el oído. Cuarenta y siete temas, desde los nueve segundos hasta otros que orillan los dos minutos. Pop, rock, punk, metal, avant-garde y bizarreadas de todo calibre se entongan como nunca antes se habrían atrevido; canciones de todos los estilos, registros y épocas ofreciendo un auténtico museo sonoro de los ecuménicos gustos del foro. Aquí están; estas son las canciones breves escogidas en triunfante desfile. Hacela fácil. Hacela corta.

01 Nico - Prelude 0:59
Album: The Marble Index (1969)
Contribuyente: Julián

No tiene mucho sentido un preludio para un compilado esnob de canciones cortas, pero le podría dar el comienzo enigmático y genial que se necesita ya que parece que el compilado estará plagado de canciones de Charly García. “Prelude” hace parte de “The Marble Index”, álbum que poco a poco se convierte en mi favorito de Nico. Sólo son 59 segundos de una guitarra acústica y lo que parece ser una celesta. Si me preguntan diría que realmente me parece el preludio perfecto al resto de “The Marble Index” pero sobre todo a la canción que sigue (que por razones de longitud no puedo proponer aquí) “Lawns Of Dawns”, una favorita de Nico que lamentablemente no alcancé a mostrar en el torneo.

02 The Soft Machine - A Concise British Alphabet, Part 1 0:09
Album: Volume Two (1969)
Contribuyente: Clop

Es el alfabéto psicodélico que te llama y te chupa. WHooo WHoooo (???).

03 Daniel Johnston - True Love Will Find You In The End 1:49
Album: 1990 (1990)
Contribuyente: José Antonio

Daniel Johnston es una especie de guru de la escena Indie y que ha sido homenajeado por varios artistas como Yo la tengo, butthole surfers, Tom Waits, Wilco, Flaming Lips, etc. Su historia es un pco conmovedora y es retratada muy bien en un documenta que lo puedne encontrar en Youtube y recomiendo ampliamente. Gran parte de su discografia consta de grabaciones caseras y podrian apsar por demos, pero vemos que hay un perfecto sentido de la melodia pop en sus canciones y muchos de los artistas que mencione han hecho esos covers, las canciones de Daniel son acusticas y pueden hacer llegar facilemnte, en este caso tomo un tema que pudo ser usado para el compilado de San Valentin, el tema tiene una letra muy sencilla pero llegadora y muy cierta, la cual puede ser muy efectiva en ciertos momentos sentimentales, puede llegar a ser conmovedor escuchar como un tipo que ha sido diagnosticado con un trastorno bipolar y pasado temporadas en hospitales psiquiatricos pueda darnso este tema con tanta sinceridad en su simpleza.

04 The Clash - Career Oportunities 1:50
Album: The Clash (1977)
Contribuyente: José Antonio

En aquellos años en que estallo el movimiento Punk, muchas bandas salian a atacar el sistema y se declaraban con ideas de izquierda o anarquismo, pero quizas pocas tenian un claro entendieminto de la izquierda y de sus ideas politicas, una banda que siempre tuvo ese entendimiento y postura fue The Clash, su primer disco esta lleno de clasicos 14 temas llenos de enrgia y con letras simples y directas que hablaban de la problematica social que se vivia en aquellos años en que Inglaterra sufria una recesion, curiosamente la cancion al ser escuchada se siente tan actual en estos dias. Vemos que la situacion de ese tiempo es tan real como lo es hoy, no existen verdaderas oportunidades de empleo, es comun ver jovenes cursando una carrera para despues salir y encontrar que para lo que tantos años les tomo prepararse no existen suficientes ofertas de trabajo y las que hay solo te mantienen fuera de la liga. The Clash lo retrato perfectamente. Les reto a todos que la escuchen y nadie me podra negar que esto parece como si hubiera sido escrito este año.

05 The Box Tops - The Letter 1:51
Single: The Letter / Neon Rainbow (1967)
Contribuyente: Daniel

Un clásico. A pesar de ser muy corta, es una canción completa, con una magnífica melodía y un cierto sonido oscurito. Imperdible.

06 The Rolling Stones - Tell Me Baby 1:51
Album: -
Contribuyente: Gregorio

No puede haber compilado de nada que se precie, que no tenga al menos una canción en la que intervenga, por lo menos, un miembro de los Stones, presentes o pasados. En este caso se trata del grupo al completo en su formación 1964, durante su primera visita a EEUU, grabando en los legendarios estudios Chess de Chicago, donde gente como Muddy Waters, Howlin Wolf y Chuck Berry empezaron a hacer historia.
De estas sesiones saldría material para próximos singles y álbumes, y también un pequeño lote de canciones que nunca verían su nombre impreso en un disco editado por el sello Decca (ni ningún otro que pagara los derechos como las leyes de propiedad intelectual mandan). Consecuentes con encontrarse en, ese momento, la mayor usina creadora de música blues de ese lado del mundo, los chicos ingleses intentaron una versión de Tell Me Baby, de Big Bill Broonzy, con todas las características del sonido Stone-blues de los primeros 2 álbumes americanos, guitarras acústicas y armónica incluídas. Y aquí se los presento, en todos sus 1:51 minutos de gloria.

07 Donovan - Oh Gosh 1:43
Album: A Gift From A Flower To A Garden (1969)
Contribuyente: ssinyam

Donovan no es sólo “Sunshine Superman”, señores. Por el contrario, el álbum doble del que arranco “Oh Gosh” es su pico absoluto, y esta canción es una de sus grandes joyas. El disco en cuestión tiene en realidad varias tonadas de estilo similar que cumplían con el requisito del compilado, pero ésta se me hace especial: basta con la peculiar interacción del bajo jazzero con las flautas y el órgano y las armonías vocales que parecen obra de los ángeles (ese “life is really too much…”) para convencer a cualquiera de que esto es una pequeña maravilla.

08 David Bowie - Breaking Glass 1:53
Album: Low (1977)
Contribuyente: ssinyam

Ya en el primer segundo, “Breaking Glass” nos sorprende con ese riff de guitarra que suena tan familiar, que parece que fuera parte de nosotros aun antes de haberlo escuchado. Es tan prendedor y cool, que podría hacerse una canción entera alrededor de él. Pero, ¡oh admiración, oh astucia!, la canción tiene mucho más que ofrecer: la melodía vocal, pegadiza e inquietante, que se apega con sublime naturalidad al riff, los estupendos toques de sintetizador marca registrada Eno, la turbia letra, concretan un paisaje musical de lo más pintoresco y original. Una para no olvidar.

09 Slayer - Necrophobic 1:40
Album: Reign In Blood (1986)
Contribuyente: Vórtice Marxista

Reing In Blood dura 30 minutos. Son 10 canciones, en su mayoría cortas, que para algunos muestran lo más brutal que jamás pudo haber sonado una banda thrash metal en su historia. Necrophobic es el tema más corto del disco y condensa toda esa brutalidad. Cuatro tipos tocando lo más rápido posible, tan rápido que el tema te enloquece con esos riffs de ese par de monstruos de las guitarras como son Kerry King y Jeff Hanneman. Para algunos estos dos minutos serán eternos, y puro querrán que terminen.

10 The Residents - Moisture 1:00
Album: The Commercial Album (1980)
Contribuyente: Daniel

Cuando se habló de canciones cortas, pensé inmediatamente en The Commercial Album. Un disco de 40 canciones, todas de un minuto de duración. Fue pues, algo complicado de elegir entre tantas, pero me decanté por este numerito oscuro y bizarro, que aparte es extremadamente pegajoso y tiene un buen solo de guitarra por ahí.

11 Scott Walker - 30 Century Man 1:29
Album: Scott 3 (1969)
Contribuyente: Julián

Scott 3 parece ser un álbum importante dentro de la discografía del buen Scott ya que es el primero en que compuso casi todas las canciones. Aunque si me vuelven a preguntar, no es tan bueno y sólo es una especie de preludio al muy superior y casi perfecto “Scott 4”. En el 3 aparece esta canción cortita que me parece muy buena a pesar de la longitud y de la que tomaron prestado el nombre para un documental sobre Walker y la grabación de “The Drift” que fue filmado 3 o 4 años atrás (que por cierto tengo que conseguirlo como sea).

12 Wire - Outdoor Miner 1:44
Album: Chairs Missing (1978)
Contribuyente: Julián

La verdad no tengo mucho para decir aquí. Wire no es precisamente una banda que me fascine, me falta escucharlos muchísimo más. Pero en Chairs Missing hay dos canciones que me encantan. Una es “I Am The Fly” y la otra es ésta que propongo ahora, “Outdoor Miner”. Un minuto y cuarenta y cuatro segundos sencillamente perfectos.

13 Lluis Llach - Que Feliç Era Mare 1:49
Album: Els Exits De Lluis Llach (1969)
Contribuyente: The Seeker

Una de mis favoritas de Llach, creo que fue la primera cancion que escribio y es impresionante.

14 Tom Waits - Underground 1:57
Album: Swordfishtrombones (1983)
Contribuyente: José Antonio

Ya he mencionado que la carrera de Waits se puede dividir en 2 partes, una es donde era aquel tipo de bar, junto a un piano y cantando baladas trsites y la otra es la que da inicio en los 80s en donde abandona ese tipo de musica, para reeinventarse completamente y ajusatrse un estilo que sabe dominar con maestria. Este es el primer tema dl priemr disco que abre dicho estilo. Underground no suena a nada de lo que Waits venia haciendo por aquella epoca, un tema que habla de una comunidad de enanos que viven en el subterraneo. El tema es efectivo al 100% ya que te logra imprimir imagenes de enanos, deformes y sucios preparando un ejercito subterraneo...

15 Tyrannosaurus Rex - Great Horse 1:42
Album: A Beard Of Stars (1970)
Contribuyente: Monkey Man

Dedicada a los que solo conocen al T. Rex glamoroso y decadente...no es que ser un hippie mugriento que canta canciones tolkienescas sea mas respetable para nuestra Civilización Cristiana, pero esta canción demuestra la sensibilidad de Bolan a la hora de componer canciones.

16 El Último De La Fila - 'Beatus Ille' 1:42
Album: Nuevo Pequeño Catálogo de Seres y Estares (1990)
Contribuyente: Sam

Me permiten defender a mi banda del torneo? Para mostrar que son algo más que temas sueltos, acá uno de los cortos instrumentales "experimentales" que contiene mi album favorito de ellos. Un disco que me encanta por detallitos como este. Una agradable alabanza a la vida de... ciudad? Ese parece ser su Beatus Ille.

17 Guided By Voices - Buzzards And Dreadful Crows 1:43
Album: Bee Thousand (1994)
Contribuyente: Monkey Man

Esta banda me cae bien y tienen muchisimas canciones de corta duración...de hecho, la gran mayoria lo son. Si bien algunos ya la conocen, le comento a los otros que GbV es un proyecto que siempre ha estado liderado por Robert Pollard, quien entre esta banda y unos cuantos proyectos paralelos supera la escalofriante cantidad de 1000 composiciones propias. Ja, y pensar que yo no escribi ni una canción entera! En cuanto a la canción, está en el mejor disco de la banda que escuché y que suele ser considerado una de sus mejores obras, y representa el mejor aspecto de la banda en base a lo que conozco: sus canciones cortas, intensas, casi emotivas pero no tanto, con una producción lo-fi acorde.

18 Blur - Anniversary Waltz 1:20
Single: Girls And Boys (1994)
Contribuyente: Gregorio

De los ganadores del primer torneo ATN de bandas propongo una pieza instrumental que fue lado b de uno de los singles Girls And Boys, satisfaciendo mi ocasional gusto por lo kitsch. Un valsecito que probablemente querrán utilizar el día que se casen, en lugar de los sublimes pero trillados valses de Strauss. Si bien el temita corre el riesgo de caer en lo banal en lo que serían "los versos", el "estribillo" es lo suficientemente agradable y musical para asegurar su inclusión en cualquier aniversario que merezca recordarse. Al final, sí, se va al carajo, con los gallinitas esas.

19 Nick Drake - Harvest Breed 1:34
Album: Pink Moon (1972)
Contribuyente: Sam

Adoro a Nick Drake y adoro Pink Moon, tema por tema. Sus temas tan campestres, que te trasladan a lugares, te llevan más allá, solo con esa voz y una guitarra acústica. Sencillez al extremo. Como conjunto funciona mucho mejor, es sabido, pero en un compilado como este siempre hay un momento para un tema de lo más relajado. Por que Harvest Breed? Porque es tema cantado más corto del disco.

20 Minutemen - Political Song For Michael Jackson To Sing 1:29
Album: Double Nickels On The Dime (1984)
Contribuyente: fedefer

Double Nickels está repleto de temas cortos, y cualquiera hubiera funcionado en este mismo lugar. ¿Por qué elegir Political Song? Desde el principio me llamó la atención su título, y desde entonces le he prestado mucha más atención que a los demás, que todavía se me mezclan (cosa que no está mal, se supone que el álbum es un todo más que una suma de partes). Sea como sea, los riffs son formidablemente crujientes, y las vocalizaciones muy agresivas hacen de este un ejemplar de punk perfecto.

21 Paul McCartney - Junk 1:57
Album: McCartney (1970)
Contribuyente: Daniel

Del tremendamente infravalorado primer álbum de McCartney, esta joyita es una favorita de siempre, con un tono inusualmente oscuro y melancólico y una melodía instantáneamente clásica.

22 The Magnetic Fields - Absolutely Cuckoo 1:34
Album: 69 Love Songs (1999)
Contribuyente: Monkey Man

No se absolutamente nada sobre esta banda salvo que es el proyecto de un cantautor de actitud morrisseyescallamado Stephin Merritt y que esta es la primera parte de un reconocido trio de álbumes, y que es la primera canción y que me gusta bastante, gracias a su melodia circular.

23 Brian Eno & David Byrne - Two Against Three 1:55
Album: My Life In The Bush Of Ghosts (bonus tracks) (1981)
Contribuyente: Sam

Ese disco es una locura. No como el último álbum que han lanzado este par juntos. Bien, desde las profundidades de la selva, Byrne & Eno nos regalan esta danza tribal, tensa, ideal para ir al combate, silenciosamente entre los arbustos...

24 Fantomas - The Omen (Ave Satani) 1:49
Album: The Director's Cut (2001)
Contribuyente: Vortice Marxista

La genialidad de Mike Patton no sólo le bastó para hacer Mr. Bungle y tres espectaculares discos, ni mucho menos su incursión con el mainstream con Faith No More, tenía que descargar su exuberante creación en un proyecto llamado Fantomas. Banda que aparte de poseer su imponente personalidad , se nutrió de un viejo conocido suyo Trevor Dunn (bajo de Mr. Bungle), Buzz Osborne (guitarra de The Melvins) y Dave Lombardo (baterista de Slayer), miembro importantisimo ya que consolida el sonido quizás más metalero de Fantomas. El tema que propongo está contenido en mi disco favorito de este proyecto, disco que versa sobre una de las obsesiones de Patton: el cine. En este disco se "cortan" bandas sonoras para recrearlas a la manera de Mike Patton. Ave Satani es parte del grandioso soundtrack de The Omen (La Profecía )y acá Patton nos muestra su grandes dotes vocales al emular casi igual a la "original", sin embargo, la batería de Lombardo se acelera y el tema pasa a ser casi un tema black metal. En sus casi 2 minutos es una catarsis demente y oscura que ud señor jamás habrá escuchado.

25 Tori Amos - Mr. Zebra 1:04
Album: Boys For Pele (1994)
Contribuyente: fedefer

Si bien la obra de Tori Amos es un más un gusto adquirido que otra cosa, a veces me resulta difícil imaginar cómo alguien podría no sentirse atraído por esa fantástica voz de loca perdida sexy cantando gloriosas melodías con su piano de conservatorio. "Mr. Zebra" dura apenas un minutito y aún así se despacha con un tremendo show-tune digno de la mejor comedia musical, en donde el poderío vocal de Tori nos deslumbra y nos colma con cada mínima nota.

26 The Flying Burrito Brothers - If You Gotta Go, Go Now 1:50
Album: Burrito Deluxe (1970)
Contribuyente: fedefer

Un cover de Dylan ala Byrds pero con una dosis extra de BRUTAL FUCKING ROCK AND ROLL. La sección ritmica galopa como una banda de malevos y bandidos sedientos de sangre avanzando con urgencia hacia la cordillera.

27 Vashti Bunyan - Diamond Day 1:47
Album: Just Another Diamond Day (1994)
Contribuyente: Julián

No puedo decir mucho de Vashti Bunyan. Una británica a la que Andrew Loog Oldham (que era un tipo cool en sus tiempos, ahora anda diciendo que es fan de Juanes) le grabó un single a mediados de los sesenta ya que— como a la hermosa Nico por la misma época— veía un futuro promisorio para ella. Pero no tuvo éxito. Hasta donde he leído por ahí sacó algunos otros singles con otras disqueras pero igual le fue mal con todos. Empezó a componer y en 1969 se unió a un tal Joe Boyd (productor de Fairport Convention) para grabar “Just Another Diamond Day” su primer y único LP. Un álbum folk hermoso que igual no tuvo ningún tipo de repercusión y la tipa (me imagino) aburrida del mundo de la música se retiró a vivir en Irlanda.
A comienzos del milenio se dio un resurgir del folk en los Estados Unidos, un folk más “moderno”, que se alimentó de una variedad de música más amplia no sólo de la música tradicional estadounidense. Algunos llaman a este movimiento “Freak-Folk” (Los esnobs de Clop Y Monkey Man deben saber mucho más de lo que yo sé). Vashti Bunyan fue descubierta y valorada por esta nueva generación de músicos que tenían una mente más abierta y supieron (por fin) apreciar la belleza de su música. Precisamente “Just Another Diamond Day” es una de las principales influencias del llamado “freak folk”, sino la principal.

28 The Beatles - Mean Mr. Mustard 1:06
Album: Abbey Road (1969)
Contribuyente: Sargento Peppers

Dura sólo un minuto, pero por Dios, que intenso y hermoso es ese minuto!. esa introducción de bateria seguida de John cantando "Mean Mister Mustard"... uf!!!. Y ni hablar cuando Paul se le une para cantar. Siempre me encanto esta canción, ya que además tiene una buena instrumentación.

29 The Who - Smash The Mirror 1:35
Album: Tommy (1969)
Contribuyente: Julián

Uno de los álbumes más oscuros de la historia del rock, me imagino que nadie en este ignorante foro lo ha escuchado. Bah, creo que casi todos debieron haber elegido "Smash The Mirror" a pesar de que cuando la mencioné en el chat muchos dijeron que no la habían recordado a la hora de elegir las canciones. No exagero cuando digo (bueno, tal vez sí) que es mi canción favorita de Tommy. Corta, con fuerza, con una tremenda melodía, con un final perfecto. ¿Qué más quieren?

30 Buzzcocks - Love You More 1:50
Album: Singles Going Steady (1979)
Contribuyente: Monkey Man

No estoy del todo familiarizado con la obra de esta banda, pero creo que canciones como esta tienen brillantes melodías y muestran una faceta diferente y más estereotipicamente pop del sonido punk.

31 Big Star - I'm In Love With A Girl 1:43
Album: Radio City (1974)
Contribuyente: Daniel

El final de un álbum casi perfecto es una canción que contrasta bastante con el tema general del disco. Al final, una canción casi redentora, simplemente acústica y optimista.

32 Johnny Cash - I Got Stripes 1:57
Album: At Folson Prison (1968)
Contribuyente: The Seeker

Cualquiera que haya escuchado Folsom Prison sabra que los temas de carceles son lo mejor del disco, esta no es la excepcion, en un ppoco menos de 2 minutos cuenta una historia genial, el coro es inolvidable.

33 Wings - Zoo Gang 1:57
Single: Band On The Run (1974)
Contribuyente: Gregorio

Lado b del single Band On The Run, ésta climática pieza de la banda alada fue usada como cortina de una serie de TV de los 70 sobre ex-combatientes de la Segunda Guerra Mundial que persiguen criminales. Un inicio de kermese no empaña que el resto del tema sea interesante de escuchar, sobre todo por el trabajo bassístico. Ojo con los instrumentales de McCartney.

34 Pixies - Brick Is Red 1:58
Album: Surfer Rosa (1988)
Contribuyente: Clop

Es el brillante cierre de Surfer Rosa. Ideal para golpear a alguien (?).

35 Cat Stevens - The Wind 1:42
Album: Teaser And The Firecat (1971)
Contribuyente: fedefer

Así abre Teaser And The Firecat, con una gentil balada introspectiva que contiene algunas de las figuras de guitarra acústica más hermosas que haya escuchado.

36 Wire - Fragile 1:18
Album: Pink Flag (1977)
Contribuyente: Monkey Man

Una de las canciones más queribles de uno de los álbumes más interesantes de 1977, por una bandas más interesantes e intelectualmente desafiantes de la era punk. Personalmente prefiero a otras del álbum (como la que le sigue), pero me gusta la pureza de esta canción pop. Pink Flag demuestra que el arte puede durar segundos. Menos es más.

37 Blur - Woodpigeon Song 1:41
Single: Beetlebum (1995)
Contribuyente: Gregorio

Otra "rareza" de los Blur, una pequeña baladita acústica (pero tocada en guitarra eléctrica!!!!!) que es en realidad, apenas una mínima idea musical de bella melodía, y que se publicó como uno de los lados b de Beetlebum. Al final se hace más contundente, pero está claro que se trata de un germen que no llegó a desarrollarse. Eso no impide, de todos modos, disfrutar de la pequeña ensoñación que su escucha produce.

38 Pink Floyd - The Show Must Go On 1:36
Album: The Wall (1979)
Contribuyente: Sargento Peppers

La típica canción que uno lamenta que no dure más. Si bién es una canción sencilla con una letra sencilla (lo cuál es algo raro teniendo en cuenta de que la canción forma parte de The wall), siempre me atrapó la voz de Guilmour y los coros, sin contar ese atractivo piano que suena a lo largo de la canción.

39 Elvis Costello - Welcome To The Working Week 1:23
Album: My Aim Is True (1977)
Contribuyentes: Daniel & Bigmaud

La primera canción del primer disco de un Elvis Costello enfadado y cínico, es un pop-punk lleno de ganchos y giros compositivos que sorprenden a primera escucha y se mantienen frescos aún luego de muchos años (Daniel).

La primer canción del primer disco de Elvis Costello, el primer hombre en pisar la Luna... Ah no. Como decía Welcome to the Working Week tiene ese toque furioso y lúcido que mostraban las composiciones de Costello durante los primeros años de su carrera. Lo mejor es que en su minuto y pocos segundos está llena de movimiento y con todas las ideas que podían caber en ese breve tiempo; digamos que con lo que hay en este sesentero (o cincuentero, más bien) tema, muchos otros músicos podrían hacer una carrera. ¡Orgasmo Costelliano de ochenta y tres segundos! (Bigmaud)

40 Serú Girán - Separata 1:35
Album: Serú Girán (1978)
Contribuyente: Sargento Peppers

Una meláncolica canción aparecida en el disco debut de Serú Girán. En lo poco que dura esta canción transmite un aire meláncolico con la voz de Charly y esos buenos arreglos orquestales.

41 Los Prisioneros - Somos Solo Ruido 1:20
Album: La Cultura De La Basura (1987)
Contribuyente: Vórtice Marxista

El tema que abre La Cultura de la Basura es una declaración de principios. Lo que me sorprende es que Los Prisioneros pudieron llegar a sonar de esta manera. Siempre este tema se me ha asemejado a Nirvana del Bleach.. Hay algo medio noise que estos tipos querían mostrar en este disco, en el cual Los Prisioneros hacen todo lo que jamás pensaron hacer. Somos Solo Ruido es irónica, pero a la vez es uno de esos temas ocultos de la banda que a mi me encantan. Dato es que el tema no es de Jorge Gonzalez, sino de la dupla Tapia/Narea, aunque este último se lo adjudica, pese a que no lo canta.

42 Divididos - Huelga De Amores 1:51
Album: La Era De La Boludez (1993)
Contribuyente: Clop

Una breve y hermosa chacarera eléctrica, a manos de Divididos.

43 Violeta Parra - La Jardinera 1:57
Album:
Contribuyente: Vórtice Marxista

Pensé en Violeta Parra porque ella en un minuto y medio podía crear las melodías más bellas que uno pueda escuchar en su vida. Cuando uno escucha su voz y esa guitarra dulce, las cosas en tu vida serán distintas. Es díficil describir cómo temas como este (La Jardinera) se internan en ti, pero más allá de una cosa espiritual, la canción esta - y así cualquier canción de Violeta Parra - se te pone en la piel y se te erizan los pelos. "Para olvidarme de ti, voy a cultivar la tierra..." a mi gusto, es una de las frases más hermosas que yo he escuchado. Espero que para uds esta canción en general también lo sea.

44 The Byrds - Renaissance Fair 1:50
Album: Younger Than Yesterday (1967)
Contribuyente: ssinyam

No podía dejar de enviar la más fabulosa canción de menos de dos minutos de la historia del rock. Merecería entrar en las más altas jerarquías aunque sólo fuera por la intro, tan hermosa, tan evocativa en su simplicidad: durante esos veinte segundos iniciales, uno huele ya que está ante una obra de alto calibre. Pero el resto de la pieza no se queda atrás en grandeza: enseguida se elevan de la nada las clásicas armonías byrdianas cantando una melodía suprema, ensoñadora, imperecedera. Lo más increíble es que la línea de guitarra que sigue a esto no es menos arrolladora: todo parece planeado a la perfección para lograr una atmósfera etérea que mantiene al oyente en vilo, expectante, para esfumarse tan rápido como llegó. Como dicen, lo bueno viene en envase chico.

45 They Might Be Giants - Kiss Me, Son Of Good 1:47
Album: Lincoln (1988)
Contribuyente: Monkey Man

Vuelvo a insistir con esta banda que me gusta bastante y que encaja dentro de aquellas que llenan sus discos con muchas canciones de corta duración, todas pegadizas y algo intelectualoides, además de un eclecticismo admirable. Aquí les presento esta canción que cierra su segundo LP, Lincoln, con un golpe maestro de cínismo. Lo más interesante de esta canción es sin dudas la letra: si bien la melodia es buena, lo que realmente brilla y llama la atención es la temática. Pondría la letra o partes de la misma, pero voy a dejar que la escuchen e interpreten ustedes, eso, claro, si saben inglés.

46 The Soft Machine - A Concise British Alphabet, Part 2 0:12
Album: Volume Two (1969)
Contribuyente: Clop

Es el alfabéto psicodélico que te llama y te chupa. WHooo WHoooo (???)

47 Paul Simon - Everything Put Together Falls Apart 1:59
Album: Paul Simon (1972)
Contribuyente: fedefer

Paul Simon es todo un singer-songwriter. Su maestría en diversos géneros toca en esta ocasión una minimal cruza entre bossanova y jazz que deleita con sus intrincadas melodías vocales y acústicas. El mood logrado es único; sensual y reflexivo a la vez, con una pequeña nota amarga al constatar que todo lo que es juntado termina separándose.

BONUS TRACKS (midis bizarros de Nielssen; excluidas del compilado muy a propósito)

1. Capcom Sound Team - Gravity Beetle Stage

Hay una sensación épica en esa melodía. Una belleza deslumbrante y conmovedora. Es el tema titular del área del 'Gravity Beetle' en Megaman X3. Aparece casi al final de la primera parte cuando la contienda se vuelve algo difusa y empieza a agotar al jugador. Es como un rayo de luz y golpea desde la escala inicial con una sorpresa enternecedora. 1:56, colegas! Un magnífico logro que muchos desconocedores de Nintendo no creerán.

2. Capcom Sound Team - RYU (Japan)

Street Fighter 2 de la consola de Super Nintendo. Nueva generación en 1991 que aparece con una música que mezcla el frenesí de las peleas mano a mano del juego con melodías pegadizas y upbeat. Sin embargo, de ese beat urgente dedicado a hacer correr la adrenalina se desprende virtuosismo, belleza y eufonía. Inolvidable.

3. Tecmo Music Team - Overdrive

Mi tercer porpuesta. Se trata de mi tema favorito de Nintendo por sobre todas las cosas. Punto.
Hay una mega-deliberación en este tema. La frase musical principal es rapídisima pero desde el primer instante se vuelve insanamente pegadiza. NUNCA habrá nada más memorable y sorprendente que esto. Mezcla todos los atributos de un virtuoso técnico y un dotado en melodías. Hay tres partes bien diferenciadas: la primera es la clásica frase que irrumpe en el cerebro, la segunda es una variación excelente que sostiene la tensión y la tercera es el triple de intenso: es un recorrer de escalas ultra-veloz que crea una cadencia impresionante. Dará vueltas a sus cabezas. Todo en 1:27!

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PARTE I
PARTE II
BONUS: Bizarreadas Nielssen

Babasónicos - Mucho

2009-03-09T20:27:00.000-07:00

Mucho ya cumplirá un año de su edición en el mayo pasado. Más allá de su mediático lanzamiento a través de un celular y de ser el nuevo disco de una de las bandas más grandes y populares de Latinoamérica, el disco en estos meses ha envejecido bien. Digo esto simplemente para compararlo con su antecesor el arrogante Anoche, disco que cansó muy luego a más de alguno. Más que nada por su exuberancia, por su desfachatada producción, y arrogancia de temas que hincharon las pelotas inmediatamente como “Yegua”, “Carismático” y “Luces”, por dar algunos ejemplos. Anoche es un disco que soltó la rabia de un Dargelos que no quería al parecer regalar un Jessico o un Infame parte dos, sino que hacer un disco excesivo, prominente, y que fuera de fácil escucha, pero una escucha que saturaba a la cuarta o quinta. No por eso, Anoche es un mal disco.

Mucho (nombre que debió haber sido para Anoche) fue todo lo contario. Si “Así se habla” comenzaba Anoche con una declaración de principios rotunda, rabiosa, arrogante, “Yo Anuncio” (tema que da inicio a Mucho) es pura sutileza, pero aún así una declaración de principios: “no tengo interior para mostrar” dice Dargelos, pero todo tiene un aura mucho más sutil, reservada, así como la letra del tema. El inicio del disco no es casualidad, da la pauta para él, la leve guitarra de Mariano Roger, con ese riff británico, es decir, de la más clásica pauta del rock británico sesentero. Y si Anoche era un disco dedicado casi 100% a Led Zeppelin como herencia del “arrogante rock”, la herencia de Mucho debería estar centrada en mi opinión en bandas como los Kinks, los Zombies, esa estampa, “Yo Anuncio” lo demuestra no sólo con ese riff principal sino también con el coro y el juego de voces que funciona de arreglo. La mayoría de los temas de Mucho rondan por este estereotipo, no por nada el primer single fue “Pijamas”, tema que el mismo Dargelos dijo que era dedicada a su banda de la infancia The Smiths. Y bueno si uno escucha el tema la influencia a primeras no la ve tan clara, sin embargo el fraseo y diría hasta la letra del tema es una influencia de Morrissey nítida. La letra de Dargelos se ven sintetizadas en el “se me ocurren tantas cosas”, porque si comenzamos a deconstruir las miles de imágenes y acertijos que propone el tema – partiendo por su singular nombre – estamos seguros que a él como letrista se le ocurren demasiadas cosas. El disco continúa con esta senda británica con el que a mi gusto es el mejor tema del disco: “Escamas”. Sinceramente puede ser uno de los mejores temas compuestos por la banda en la década, ya que todo, desde su inicio con ese juego entre la guitarra y el bajo, más la entrada vocal de Dargelos es una experiencia asombrosa. Son 2 minutos y medio, pero la intensidad que tiene la canción es algo que ninguna puta banda de la actualidad podría hacer. Musicalmente el tema es compuesto por Gabriel Manelli, y se nota por el protagonismo del bajo en la canción, pero a mi me fascinan el trabajo de las guitarras, se me hacen distintivas, insisto que ninguna otra banda suena así. Si está de moda el retro rock Babasónicos va a los sesenta a buscar lo retro, pero lo hace de una forma sutil, como si nunca se haya tocado así, en “Escamas” creo que está eso que ellos dicen siempre buscar: la canción que nunca se ha escrito. El coro: “puede ser que siempre salga con la mía…” es adictivo totalmente y la letra es fascinante, yo nunca sé qué quiere decir Dargelos en sus letras pero acá toda esa polisemia se nota mucho más.

El disco en sus tres primeros temas tiene una onda más pausada, muy british como venía diciendo, pero “Cuello Rojo” trae de vuelta el rock & roll más puro, y qué pureza. Porque las primeras notas del bajo indican que algo sucederá, y ya cuando entra el riff principal, estamos dentro de una fiesta desfachatada babasónica. El imaginario sónico de agarrar – en este caso el Twist – un estilo bastardo, de mal gusto, para hacer una canción rock, se manifiesta totalmente. La canción tiene unos arreglos notables, y esa onda Twist de película de cine-b es grosísima. Pese a eso su coro pegadizo lo hace ser una gema pop, uno de los puntos altos también del disco, y ya es un tema imperdible en un set list de la banda en vivo. Sin embargo el disco no descansa, porque el tema que cierra la primera parte, nos trae la veta más romántica, que los de Lanús han explorado en sus últimos trabajos. Este tema podría haber estado en Anoche, en vez de la balada “Exámenes”, pero a mi gusto, acá calza perfecta. Otra composición que apareció póstuma luego da la muerte de Gabriel Manelli en enero del 2008. “Como Eran Las Cosas” es un tema musicalmente compuesto por él, le da una connotación mucho más profunda de lo que el tema es. Hay que decir que Mucho, lanzado a meses de la muerte de Gabo, adquirió un tono de duelo, no impuesto por la banda, (más que nada por el afuera de la banda, sus fans, la prensa, etc.) ya que Babasónicos jamás va a salir con un cliché de la muerte y la pérdida, sin embargo, en la obra, en las canciones del disco – sobre todo en “Como Eran Las Cosas”– pervive el espíritu de una pérdida reciente, de un amor que se fue, una cierta melancolía, que es un ingrediente importante de Mucho. “Como Eran Las Cosas” es un bellísimo tema. Como para regalárselo a la novia, no?

Párrafo aparte es el sexto tema del disco: “Microdancing”. Segundo single de Mucho, ya es un hit más que engrosa los tantos de la banda en esta década. Algunos han definido a Mucho como un disco electro rock, sólo por este tema. Y puede ser. Al Babasónicos no definir sus discos de forma a-priori, y al no tampoco encasillarlos en un solo estilo, definido y marcado, la banda en un disco puede ser – literalmente – cualquier cosa. En Infame eran a su vez , románticos y retros, en Anoche, eran arrogantes y rockeros pero pop liviano a la vez, en Jessico había un discurso meta-rock pero también sinth-pop, acá en Mucho hay electro rock y brit pop. De esas mezcolanzas emergen las variadas sensaciones que un disco de Babasónicos produce en el oyente. Jamás la tienes fácil. “Microdancing” hace ingresar los sintetizadores años 80 al disco, un tema 100% bailable, de fácil escucha y digerible: un tema pop totalmente. Pero como tema pop es notable.

El disco vuelve a los arreglos sesenteros, de la canción inglesa. “Las Demás” (en la edición celular era “Los Románticos” ) trae de vuelta el romanticismo. Pero el tema está tan bien arreglado que eso da un poco lo mismo. El juego de la guitarra con la percusión es notable y le entrega un beat que me parece muy original, y adictivo. El tema se te mete en la cabeza inmediatamente por su brillante melodía. Pero esta calma, este relajo, es interrumpido por el tema más zafado del disco: “Estoy Rabioso”. Babasónicos en sus últimos discos sacó temas rockeros directos como “Pendejo” , “Sin Mi Diablo”, “Ciegos Por El Diezmo”, pero todos, tocados y producidos con un filtro distinto. “Estoy Rabioso” son Babasónicos haciendo rock a la vena pero sonando a otra banda. El tono de las guitarras me recuerdan a los de Jack White en los White Stripes. Una onda desértica, de fiesta con tequila en el desierto mexicano hace imaginar la canción. Los shows primeros de presentación de Mucho el año pasado, iniciaban con este tema, que de cierta manera, es otra carta de presentación o declaración de principios: “A la mierda lo que piensen de nosotros, a la mierda lo que digan los demás…”

Es un disco corto, poco más de media hora, así como los discos de los años 60, de esos que te dan ganas de que no haya acabado. El disco en términos de producción es menos electrónico que los anteriores, es un disco de sonido más en vivo, más simple y directo. Cosa que no quiere decir que sea más rockero, ni tampoco que por existir un tema como “Microdancing” el disco sea igual de electrónico. Ya que “Microdancing” es una electrónica primaria, con pocos recursos, cosa que está hecha totalmente a propósito. Es como si Babasónicos hubiese pensando en cómo sonaría un tema bailable, electro pop, en la década de los 60, eso es “Microdancing”. Pero pese a ese simplismo, el disco tiene una escapada en el noveno tema, muy de la onda de los discos más experimentales de la banda (Trance Zomba, Miami o Dopadromo), la introducción de “Nosotros” es un tributo a Brian Eno como ha dicho Dargelos, y bueno, la intro introduce algo que uno se esperaba. Una balada, bella, introspectiva, pero irónica. La autorreflexión del que está complicado, o tuvo una discusión con su chica hace poco rato. O también puede ser que el tipo es un indeciso que se queda pensando mucho en cómo hacer algo, sin hacerlo nunca realmente. A quién no le ha pasado ese tipo de escenas. Dargelos definía este tema, como la reflexión que te pegas antes de dormir. No sé si es ironía o lo dice en serio. Sin embargo la canción es bellísima, la guitarra acústica y los arreglos de la eléctrica que circulan en los 3 minutos de la canción son perfectos, y la melodía parece llevarte en un viaje, bien lejos.

Y bueno el disco termina con el tema más flojo a mi gusto – podrían haber puesto otro, de los 18 temas que se grabaron en las sesiones de Mucho estoy seguro que hay mejores-, quizás la pusieron para darle el cierre “perfecto” y la declaración forzada o no, de la muerte que tiene la banda. Creo que Babasónicos no ha pensado bien en sus finales de discos, en sus últimos dos. Ya que Anoche traía esa “zarpada” de “Luces”, que ni siquiera a Mariano Roger le gustaba, y acá en Mucho, está “El Idolo”. Que bueno, lo interesante es ese folk rock, el guiño al country (Babasónicos le faltaba sólo hacer un tema medio country), y que pensándolo así puede funcionar, ya que aún pese a los años siguen experimentando. Pero a mi no me resulta un tema muy acabado. Prefiero que Babasónicos por ahora siga haciendo canciones así de buenas – como las otras nueve de Mucho – y no tratar de seguir haciendo el estilo que nunca tocaron. Eso es para Babasónicos de los noventa.

Finalmente, el disco me parece quizás lo mejor que se lanzó el año pasado. No sé si hoy por hoy una banda suena y hace lo que Babasónicos quiere mostrar. Aparte consolida a una banda que pese a 18 años de trayectoria no se estanca, y no se reversiona a sí misma, sino que sigue pareciendo una banda nueva y reformada, disco tras disco.

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Veinte canciones de amor... y un valentín desesperado

2009-02-14T19:08:00.001-08:00

Para celebrar este 14 de febrero, fecha internacional del día del amor, y al que los menos afortunados también exigen sea el día de la amistad, el foro ATN se enorgullece en presentar su tercer proyecto compilatorio, esta vez dedicado, claro que si, a l'amour.

"Veinte canciones de Amor y un Valentín desesperado" es el producto de todo un aquelarre de snobs en estado de gracia, que ha seleccionado las mejores propuestas musicales de sus miembros. Les presentamos entonces aquí, para disfrute de todos, veintiún temas de rock y géneros afines, desde los más desvergonzadamente caretas hasta los más elitistas, que conforman un conjunto de un eclecticismo rabioso. ¿El hilo conceptual? Ya saben: esa sensación agridulce que todos, incluso los más forritos, hemos tenido la (desa)fortuna de experimentar alguna vez. Este es el compilado definitivo de amor de San Valentín.

El amor en todas sus caprichosas formas y expresiones, compilado en armonías, ritmos y melodías, pero más que todo, en sentimientos, porque si, hasta los snobs tenemos sentimientos. Cada tanto.

Disfruten.

Tracklist:

01 - Almendra - Muchacha Ojos de Papel
02 - The Hollies - The Air that I Breathe
03 - Richard & Linda Thompson - For Shame of Doing Wrong
04 - Nick Cave & The Bad Seeds - The Ship Song
05 - Roy Orbison - In Dreams
06 - Bee Gees - How Deep Is Your Love
07 - Chris De Burgh - The Lady in Red
08 - Bryan Ferry - Slave to Love
09 - Virus - Pronta Entrega
10 - XTC - The Mayor of Simpleton
11 - Arcade Fire - Crown of Love
12 - Robert Wyatt - Just As You Are
13 - Jacques Brel - No Me Quitte Pas
14 - Enrique Bumbury - Aquí
15 - Los Prisioneros - Paramar
16 - John Lennon - Woman
17 - Bob Dylan - I Want You
18 - Pescado Rabioso - Blues de Cris
19 - The Gun Club - She's Like Heroin to Me
20 - The Rolling Stones - I Just Want to Make Love to You
21 - Babasónicos - Irresponsables

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COMPLETO ARTE DE TAPA DEL ÁLBUM

Liner notes:

Almendra – Muchacha Ojos De Papel
Compositor: Luis Alberto Spinetta
Disco: Almendra (1969)

Algo poco original, intente tirar algo mas bacán pero mi mente seca solo recordó estos dos temas del flaco, esta, la primera de la serie, es una canción que trascendió harto y probablemente conozco, es una de las mejores baladas de amor no solo del rock en español, sino que de la historia, un tema simplemente hermoso escrito para una de las primeras novias de Spinetta, un temazo.

The Seeker

The Hollies - The Air That I Breathe
Compositor: Albert Hammond/ Mike Hazel
Disco: Single (1974)

La versión de los Hollies de un tema que primero cantó Phil Everly, de Everly Brothers, es una de mis canciones favoritas de la banda, aunque se aleje mucho de su estándar rock/pop y se acerque peligrosamente a una clase de balada comercial, pero que al deconstruir la pieza nos damos cuenta que es todo lo contrario y es más un triunfo compositivo en manos de unos artesanos pop. Brillantemente producida (nótese la soltura de las guitarras acústicas), pocas veces una letra dulce y un arreglo aparentemente cursi han encajado de forma tan perfecta y maravillosa como en este tema: un auténtico poema de amor hecho canción con una majestuosa melodía y exuberantes armonías vocales. Estilísticamente, me parece, está más cerca del tipo de balada que se encuentra en Pet Sounds, con un sonido y tema que más bien es contemplativo y espiritual, sobretodo al notar que su letra es bastante poética en su simpleza: habla sobre un momento, un mero instante de verdadera felicidad que evoca una cierta paz y despreocupación, de esa que rara vez y muy efímeramente se siente al estar por fin con alguien al que te das cuenta que realmente perteneces y que, al menos por un pequeño momento de tiempo, no quisieras estar en ningún otro lugar ni hacer nada más. La canción captura perfectamente ese raro estado de ánimo y por tanto, es una cosa bastante única y suficientemente meritorio para proponerla a este romántico compilado.

Trivia: La melodía principal fue luego reutilizada nada menos que por Radiohead para su hit Creep, a tal punto que en los créditos de Pablo Honey se incluye al compositor de esta canción, Albert Hammond.

Daniel

Richard & Linda Thompson - For Shame Of Doing Wrong
Compositor: Richard Thompson
Disco: Pour Down Like Silver (1975)

Esta en realidad es una canción de desamor y amor a la vez. Desamor porque la pareja se separó hace un tiempo por causas lo suficientemente serias; amor porque empiezan a recordar las buenas épocas, a sentir nostalgia, y a pensar que tal vez pueden olvidar las heridas y volver a verse ("I wish I was a fool for you again"). Y hablo en plural porque la cantan tanto Richard como Linda, que eran pareja (y que más tarde, al separarse lo celebrarían con un amarguísimo álbum de "breakup" llamado "Shoot Out The Lights", pero lo dejamos para otro compilado). La canción es bastante emocional, aunque no tanto por la interpretación sino por las lindas melodías vocales y los sorprendentes arreglos que sincretizan un groove blusero a la ACDC (!) con acordeones pastorales (!). Posta que queda muy bien.

Fedefer

Nick Cave And The Bad Seeds - The Ship Song
Compositor: Nick Cave
Disco: The Good Son (1991)

En términos de elaboración musical, no es lo mejor de "The Good Son". Diría que todas las demás ("Weeping Song", "Lament", etc.) se hacen un curanto con ella. Pero la increíble letra (repito con mayúsculas: INCREIBLE) y la atmósfera de mantra religiosa que la materializa la convierten, sin duda, en una de las más grandes canciones de amor de todos los tiempos. ¿Qué es entonces "The Ship Song"? un tributo al amor, al amor compartido con alguien especial, y a esa aplastante sensación de estar con el otro y, aún así, admitir que no entendés demasiado qué onda. "Come loose your dogs upon me, and let your hair hang down / You're a little mystery to me, every time you come around".

Fedefer

Roy Orbison - In Dreams
Compositor: Roy Orbison
Disco: The All Time Greatest Hits (1963)

Esta canción es, con toda justicia, una de las mejores composiciones que han aparecido en cualquier álbum pop del siglo pasado. Demasiado mérito, dirán, para una pequeña gema pop de principios de los sesenta, pero una cuidadosa deconstrucción revela una verdadera innovación compositiva para su tiempo: la canción posee una brillante secuencia de secciones, cada una con una melodía distinta que se suma a la canción para no volver a aparecer y que se acopla fluidamente a la sección anterior, casi como si fuera una suite multiparte (quizás lo sea). La letra habla sobre un tipo de amor que solo es correspondido en los sueños del compositor, que evoca sentimentalmente sus frases con una cierta resignación personal, una sensación melancólicamente transmitida gracias a la magistral voz de Orbison, quien da una de sus performances definitivas.

Para agregarle todo un nuevo sentido a este tema, les recomiendo ver la genial (y perversa) película Blue Velvet, cuya famosa secuencia donde aparece me hizo engancharme definitivamente a esta canción.

Daniel

Bee Gees - How Deep Is Your Love
Compositor: Bee Gees
Disco: Soundtrack Saturday Night Fever (1977)

Una las canciones de amor más famosas de todos los tiempos. Los Gibb están en su mejor momento, y lo demuestran en esta canción. El que más se luce es Barry con su famoso falsette. Un temazo. Infaltable en un compilado romántico.

Sargento Peppers

Chris De Burgh - The Lady In Red
Compositor: Chris De Burgh
Disco: Into The Light (1986)

Una canción espectacular. Tiene una excelente interpretación vocal y una melodía MEMORABLE. Y ni hablar de esa guitarra rítmica de fondo, que es simple pero extremadamente. adictiva. Y ah, la letra es espectacular, especial para usarla para conquistar a alguna mina en el día de los enamorados (o cualquier día).

N. del E. - Trivia: ¿Sabían que Chris De Burgh es argentino? Mirá vos.

Sargento Peppers

Bryan Ferry - Slave To Love
Compositor: Bryan Ferry
Disco: Boys & Girls (1985)

Un temazo, siempre me encantó. Lo que más me gusta es el ritmo de la canción, esa especie de solo de guitarra y la voz de Bryan. Me cuesta decir cosas de un temazo como este.

Sargento Peppers

Virus - Pronta Entrega
Compositor: Federico Moura/Julio Moura
Disco: Locura (1985)

Virus se dedicó a hacer un puñado de canciones que perfectamente podrían llenar y llenar compilados sobre el amor. Sin embargo, más que del amor, son canciones sobre el deseo. Y el deseo se puede cristalizar en eso que llaman amor. Pronta Entrega está en ese limbo: entre el desenfreno de los cuerpos con el alcohol y la música, pero también en una excitación mucho más íntima, que podría ser el estar como pareja. La voz de Moura frasea como si estuviera redactando una carta “… recordando tu expresión, vuelvo a desear… esas noches de calor, llenas de ansiedad.” Notable.

Vórtice.Marxista

XTC - The Mayor Of Simpleton
Compositor: Andy Partridge
Disco: Oranges and Lemons (1989)

Así es presento un tema de XTC en el compilado, este tema solo diré que lo pensé en proponer en el duelo de 16vos. Mayor of Simpleton fue el mayor éxito de XTC en las radios comerciales, es un tema con una estructura demasiado simple para lo que la banda nos tenia acostumbrado, la letra es también en cierto sentido simple pero en eso recae toda su belleza, el tema habla de un tonto que se enamora, una persona que no puede hacer grandes cosas, no destaca en mucho, pero que solo simplemente puede decir a su pareja que la ama, creo que el mensaje es simple, déjense de tonterías, déjense de pretender y solo di que la amas, les apuesto que con solo 3 o 4 escuchas no dejaran de tararear el tema.

Jose Antonio

Arcade Fire - Crown Of Love
Compositor: Arcade Fire
Disco: Funeral (2004)

Dejo esta hermosa balada perteneciente al disco debut de la banda canadiense Arcade Fire que pese a parecer demasiado empalagosa, se me hace muy adictiva. La banda nos muestra que se puede hacer una canción que encuadra perfectamente en el canon de "canción romántica", y pese a eso presentar una letra interesante y arreglos que hacen a esta canción diferente a las demás.

Clop

Robert Wyatt - Just As You Are
Compositor: Alfreda Benge/Robert Wyatt
Álbum: Comicopera (2007)

Soy un sujeto demasiado duro como para poner las canción de Diego Torres que me habían presionado, así luego de hacer varias indagaciones en mi cabeza me decidí por la brillante Just As You Are, una perfecta canción de amor escrita por el ex-baterista de Soft Machine y Matching Mole con su esposa para Comicopera, su último trabajo. Esta es una composición que se focaliza sobre la aceptación del otro en una relación amorosa (?). La canción es una de esas composiciones Wyattanas que mezclan extraña y perfectamente el pop con el jazz. Wyatt hace en esta ocasión un magnífico dueto con la cantante Mónica Vasconcelos, dándole a la canción una sensación de "pregunta-respuesta". Quiero destacar la colaboración del guitarrista Paul Weller que va coloreando sutilmente la canción.

Clop

Jacques Brel - Ne Me Quitte Pas
Compositor: Jacques Brel
Disco: La Valse à mille temps. (1959)

Ahora que se ha mencionado "mucho" a Jacques Brel mando lo que creo es una de las mejores canciones de amor jamás escrita, en mi humilde opinión, Ne me quitte pas seria algo así como "no me abandones" y fue el primer éxito de Jacques Brel y lo que lo consolidó como artista en Francia, el tema es un ruego desesperado por no ser abandonado por una mujer, pero el ruego solo va en un lamento el ruego va en hacer promesas desesperadas para conservar su amor, que se transmite en frases tan hermosas como: “te ofreceré/perlas de lluvia venidas de países/donde no llueve". Al final de una serie de hermosas promesas y esperanzas por resurgir con su relación, Jacques da por perdido el hecho de recuperar a su amor y ruega, casi suplica en convertirse una sombra de su mujer en conformarse con solo verla. El tema quizás sea conocido por la versión de Scott Walker, pero realmente como ya se menciono el tema de Walker pierde mucho además de que la letra fue cambiada para su inadaptación en ingles.

Jose Antonio

Enrique Bunbury - Aquí
Compositor: Enrique Bunbury
Disco: Hellville de luxe (2008)

Si algo no se puede negar a Enrique Bunbury es la sinceridad en muchos de sus temas. Así pues, muchas de sus canciones están directamente relacionadas con aspectos de su vida, sus amores, sus vivencias, incluso sobre hechos concretos, como "No fue bueno, pero fue lo mejor", canción inspirada en una fugaz retirada de los escenarios debida a un mal momento personal. Su último disco reza en el interior de la funda del vinilo "Un disco de Enrique Bunbury para José Girl". José Girl es actualmente su novia, la persona que le ha devuelto la alegría tras su ruptura con Nona, una mujer que durante muchos años fue el gran amor de su vida (y a la cual también pueden encontrarse varias referencias en su obra). "Aquí" es el tema que cierra su último disco. Y francamente, creo que es una de las declaraciones de amor hechas canción más hermosas que he oído."

Matusalén

Los Prisioneros - Paramar
Compositor: Jorge González
Disco: La Voz de los 80 (1984)

No existe ningún limite entre el amor y el desamor. Para amar es necesario el sufrimiento, para lograrlo “tu identidad debes falsear”, llegar a tierra, o directamente, crecer. Esta letra juvenil de Jorge González (18 años) nos habla de ese estado que es el enamoramiento, el cual no se sabe si es amor u odio el que se siente por la otra persona. La confusión y la inestabilidad emocional (“nunca pensé que justo este invierno, sería el más frío que he visto pasar…”) que manifiesta esta canción hasta el día de hoy me sigue pareciendo asombrosa. Si bien es una letra juvenil, es en mi opinión una de las mejores letras escritas sobre lo que significa aprender a amar.

Vórtice.Marxista

John Lennon - Woman
Compositor: John Lennon
Disco: Double Fantasy (1980)

Una de las más hermosas canciones que ha hecho John en su vida. La voz de John cantándole a su amada es excelente, y ni hablar de la letra, la cuál es muy emocionante y me imagino que a cualquiera de nosotros nos gustaría escribir algo así para una mina. Lo mejor de la canción esta sin dudas en esa SUBLIME, MAGISTRAL y BELLA melodía.

Sargento Peppers

Bob Dylan - I Want You
Compositor: Bob Dylan.
Disco: Blonde On Blonde (1966)

Un tema clásico de Bob Dylan es, al igual que la otra canción electa, una elección tradicionalista por dos razones: 1.- últimamente (quizá por el tiempo que duré sin saber nada del foro) parece como si estuvieran hablando en chino para mí. Regresar a los clásicos es como un antídoto contra el esnobismo tan de moda entre Uds. 2.- soy un completo ignorante que no baja música desde hace un año y medio porque no tiene anti virus. Tengo que comprar discos (originales, por supuesto) y eso limita todavía más mis horizontes musicales y mi ya de por sí anquilosado dogmatismo. Pero Bob Dylan está bien siempre ¿no? Se supone que ésta está dedicada a Joan Baez y me parece una pieza nada convencional, con una letra críptica pero excitante y una melodía inmortal.

Atte: Juan Ramón Velázquez Mora.

Pescado Rabioso - Blues De Cris
Compositor: Luis Alberto Spinetta
Disco: Desatormentándonos (1972)

Unos años después las cosas con la musa de su tan reconocido tema (Muchacha Ojos de Papel) no marcharon tan bien al punto de llegarle a componer este blues lleno de ira, con su grupo Pescado Rabioso, algo mas furioso donde sentencia "Sus ojos al final olvidaré".

The Seeker

The Gun Club - She’s Like Heroin To Me
Compositor: Jeffrey Lee Pierce
Disco: Fire Of Love (1981)

Todo esto del amor parece muy lindo, meloso y dulce. Pero el amor, el amor posta, es un sentimiento peligroso. Tiene demasiadas fases, trucos y engaños. El amor de veinte años de casados, por ejemplo, ya es más fraternal que otra cosa; existe, no digo que no, pero embalsamado e inofensivo, bien cuidado tras las puertas de un museo de recuerdos, cosas compartidas y hastío para que no haga daño a nadie. Pero cuando uno es joven el amor es tan genial que puede ser una reverenda mierda. Cuando uno es joven lo más parecido al amor es la droga. Una cosa que te hace polvo, que te desborda de las cuencas y que te da un placer irracional. ¿Qué mierda tiene que ver San Valentín con todo eso? Quién sabe. Inspirado en esta analogía se me ocurrió mandar esta rotunda canción de amor de The Gun Club. Punk o rockabilly o las dos cosas. Importa poco: "She's Like Heroin To Me" es ese amor que quema, que está a un paso de la muerte y, por ende, más vivo que nunca. "I'm looking up and God is saying "What you're gonna do?" / I'm looking up and I'm crying "I thought it was up to you!!!".

Fedefer

The Rolling Stones - I Just Want To Make Love To You
Compositor: Willie Dixon
Disco: The Rolling Stones (1964)

El siempre covereado/plagiado Willie Dixon sembró el germen para esta reinterpretación stoneana (casi no hacían covers en esas épocas ¿verdad?) que básicamente escupe sexo. Sexo=amor=sexo=blues=sexo=amor etc ¿no? Es la canción perfecta para dedicar un catorce de febrero: bien básica, directa y tan tradicional como el "old in-out in-out".

Atte: Juan Ramón Velázquez Mora.

Babasónicos - Irresponsables
Compositor: Adrián Rodriguez/Mariano Dominguez
Disco: Infame (2003)

Infame es un disco para regalar en el día de San Valentín. Es un disco plenamente romántico. Y con todo lo que significa esta palabra. El disco comienza con este tema; y primero que todo, deja en claro que el romanticismo antes que cualquier cosa es “pasión”. Irresponsables es un tema apasionado, delirante, erótico y profundamente persuasivo. Persuade al oyente ante las declaraciones de un Adrián Dargelos convencido de que su amor lo volvió loco, sea lo que sea este amor, ya no es el mismo de ayer: embriagado por el licor del amor, en un carnaval interminable, que averguenza seguir sintiéndolo, o que se es carne de una intriga casquivana. Las metáforas y las imágenes de esta letra no caen ningún puto lugar común, sin embargo, el tema es un éxito de la música pop de los últimos años. Que cualquiera goza y hace para sí, pese a que el tema es rock. Quizás la cita constante del tema hacia Sandro da pistas para entender ese brillante fenómeno.

Vórtice.Marxista

Amaral - Pájaros en la cabeza

2009-02-05T08:48:00.000-08:00

1. El Universo sobre mi
2. Días de verano
3. Revolución
4. Mi alma perdida
5. Marta, Sebas, Guille y los demás
6. Esta madrugada
7. Big Bang
8. Enamorada
9. Tarde para cambiar
10. En el río
11. Resurreción
12. Confiar en alguien
13. Salta
14. No soy como tú

No sé por qué, pero decidí que este sería el primer disco que comentaría para este blog. Quizá porque en el fondo es un disco al que tengo mucho aprecio, y pese a ser bastante famoso, nunca acabe de ser lo suficientemente reconocido entre los verdaderos aficionados a la música. A estas alturas en el mundo hispano no hace falta mucho decir quienes son Amaral, pero aún así haré un repaso a su trayectoria. Amaral son un dúo español, formado por Eva Amaral, cantante, y Juan Aguirre, guitarrista. Empezaron de la manera más humilde, siendo totalmente deconocidos, actuando en pequeños bares de Zaragoza, aún antes de tener temas propios y dedicarse a tocar temas de sus artistas favoritos, normalmente ante poco público. En 1998 consiguieron lanzar su primer disco, autotitulado, que no tuvo demasiada repercusión pero les valió para poco a poco ir haciéndose un hueco en el panorama. Su segundo álbum, "Una pequeña parte del mundo" fue mucho mejor acogido, y tuvo un verdadero hit como fue "Cómo hablar", y su tercer álbum, "Estrella de mar", fue todo un fenómeno. Les convirtió en estrellas del pop español, quizá en las mayores estrellas del momento, superando en popularidad a gente que llevaba años en lo alto y con una carrera más larga.

Así, en 2005 salió "Pájaros en la cabeza", su cuarto larga duración. Recuerdo que el disco anterior le gustó mucho a mi padre, y por consiguiente yo lo escuché mucho en mi casa, y más allá de resultarme agradable, no me llamaba demasiado la atención, aunque intuía que al contrario que otros, hacían una música bastante respetable y auténtica. Pero cuando lanzaron este disco, algo cambió, y me rendí a su música, y hoy día me gusta toda su discografía. ¿Qué podemos encontrar aquí? Bueno, pues mayormente es una colección de temas pop, comercial, con melodías que enganchan a la primera. Nada transgresor. ¿Qué lo hace tan especial? Pues que estas canciones no sólo son grandes composiciones sino que rebosan actitud. Cada tema está lleno de vida, de personalidad, cada canción tiene su propia indiosincrasia. Hay algo en el sonido del disco, no sé de qué vendrá, si de la producción, que es cristalina y transparente como el vidrio, de la propia interpretación de Eva y Juan o de los maravillosos arreglos instrumentales que van de la instrumentación rockera al acompañamiento orquestado. Pero hay algo que hace a este disco especial.

El tema con el que comienza, "El universo sobre mí", fue la canción que me hizo realmente interesarme por ellos, y el primer single que se extrajo del disco. Fue un éxito descomunal y no me extraña, pues es todo un manual sobre como hacer un buen pop. Se inicia con un teclado que imita una flauta sobre la que no tarda Eva en cantar de manera pletórica, y se puede notar que es un tema muy especial. Rebosa de vitalidad, de alegría, y al mismo tiempo tiene unos versos bastante inteligentes. Una canción con la que directamente conecto de manera inevitable, y al margen de eso, creo que una composición inolvidable. "Días de verano" fue otro de los singles, y muestra algo que no habían intentado todavía, un acercamiento a la estética del Sur de España, sin perder su característico toque de pop rock. Un tema guiado por un riff espectacular, no tan inmediato como su precedesor, pero a la larga se revela como una gran canción. "Revolución" por el contrario es un tema más rockero, algo similar a momentos puntuales anteriores de su discografía, como "El centro de mis ojos" de su anterior disco. Aunque la letra es reinvindicativa, la canción transmite más alegría y vitalidad que otra cosa, y no es de extrañar que se haya convertido en un himno. "Mi alma perdida" es lo que podría llamarse un típico tema de Amaral, una canción un poco más discreta pero nada desdeñable, una balada más intima con una aceptable letra romántica. Yo personalmente la olvido pronto cuando comienza "Marta, Sebas, Guille y los demás", una canción terriblemente buena, musicalmente increíble, que integra al estilo de Amaral las mejores influencias del pop clásico de los 60, no hay más que escuchar ese pegadizo beat, o la armónica, muy beateliana. La letra redondea la canción: nos cuentan la historia de un grupo de amigos, posiblemente los amigos reales de Eva y Juan. Aquel que acabó viviendo en Argentina, aquella que se fue a Barcelona y con la que se perdió el contacto, uno que tuvo un hijo, se entregó a la vida familiar y se olvidó de sus amigos, y mientras tanto, estos dos, en medio de una gira, viendo amanecer en un hotel de Santiago de Chile.

"Esta madrugada" es un tema sencillo y muy agradable donde Amaral repasan un tema bastante recurrente en sus letras, los tiempos de juventud, recordar aquellos años de locura y desenfreno e inconsciencia, de sentirse radical e incomprendido. Llama mucho más la atención "Big bang" por ser seguramente la canción más potente grabada por estos hasta la fecha. Con una agresividad casi punk, pero al mismo tiempo muy melódica, con uno de esos típicos estribillos cantados por Eva abusando de sus posibilidades como cantante (que por cierto, tiene una voz increíble, y en directo da la talla de manera magistral), "Big bang" es un temazo con todas las letras. Le sigue "Enamorada" quue, como contraposición, el uno de los temas más tranquilos de la discografía del grupo, una bonita balada que tiene buena atmósfera y de nuevo Eva canta con una pasión y una voz magnífica, pero que quizá sea el tema menos destacable del disco. "Tarde para cambiar" es otro de esos temas que uno llamaría "típicamente Amaral", más cercanos a sus primeros discos, que no sorprenden, pero que irremediablemten gustan porque muestran a la banda haciendo algo que ya dominan de sobras. Un torrente de arreglos de cuerdas da entrada a "En el río", una canción trepidante y agresiva, de corte ecologista, y basada en un sueño que Eva tuvo. Como curiosidad, aunque menciona a su padre, con quien soñó, este murió sin que ella pudiera conocerle. "Resurrección" vuelve a la senda de luz y color que lleva la mayoría del disco, de nuevo en un magnífico pop alegre y dinámico. El estribillo es una terrible explosión, y el motivo principal del tema, esos "U-u-u-u-u-u-u-u-uuuh" son simplemente geniales.

Empieza la recta final con "Confiar en alguien", un tema hermoso cuya letra es un grito desesperado en busca de amor y comprensión. Y las dos últimas quizá podrían ser los dos temas más dispares del disco. El primero, un pop alegre rebosante de júbilo, que no obstante se llama "Salta", y el segundo, "No soy como tú", un tema oscuro y depresivo que narra una especie de presente post-apocalíptico, con una leve influencia de Massive Attack, me da la sensación. En este último además colabora el cantaor flamenco Enrique Morente, dando un toque algo distinto al tema, que efectivamente suena bastante original, al menos en comparación con otros temas del grupo sin ser una canción estrictamente rompedora. De todas maneras, "En sólo un segundo", la canción que cierra el anterior disco, también influenciada por el trip-hop, es mucho más poderosa y espectacular.

Y bueno, más o menos esto es. Un disco variado, divertido, emotivo, bien compuesto, bien interpretado y lleno de actitud. Y diré más, es el mejor disco pop en castellano que he escuchado. Sus catorce canciones fluyen sin un solo mal momento y con demasiados momentos buenos. Disfrutad de esta gran banda del presente. Id a verles si tocan en vuestra ciudad. Quizá algún día eso ya no sea posible, y quien dentro de veinte años los descubra como banda clásica del rock español lamentará no haberlos vivido en su máximo apogeo.

BAJAR DISCO

Mad Season - Above (1995)

2009-02-03T18:57:00.000-08:00

Wake Up
X-Ray Mind
River Of Deceit
I'm Above
Artificial Red
Lifeless Dead
I Don't Know Anything
Long Gone Day
November Hotel
All Alone

Como ha sido natural en la historia del rock, los grandes músicos de distintas bandas se reúnen para lanzar discos o realizar giras bajo el nombre de otra banda y así hacer el sueño real de tener una “superbanda”. Podríamos pensar – bajo muy distintas circunstancias - en Cream, en Blind Faith, en Crosby, Stills and Young, o en los Traveling Willburys, como bandas de este tipo. Más cercanos en el tiempo están Temple Of The Dog, banda formada por otros resabios grunge como Criss Cornell, Stone Gozard y Eddie Vedder. Y está también Mad Season, de la cual hablaremos.

En pleno apogeo grunge, con la muerte de Cobain muy cercana, Mike McCready (guitarrista de Pearl Jam) reúne a Layne Staley (vocalista de Alice In Chains) para hacer un proyecto distinto al sonido que Seattle por ese entonces se identificaba: el grunge. La idea era hacer blues rock, volver a los clásicos, y sonar de hecho como una banda de fines de los 60 y principios de los 70. Aparte de estos dos miembros estaban Barret Martin, batería de los Screaming Trees y John Baker Saunders, bajista de The Walkbouts, ambos músicos de bandas asociadas a la movida noventera de Seattle. Lo que resultó si bien tuvo un sonido distinto a lo que hacía por ejemplo Pearl Jam y Alice In Chains, Mad Season igual se terminó identificando con el grunge, y si por hoy, buscamos información de Mad Season o la clasificación de su música, veremos que de todas formas, existe el sello “grunge”. De ahí nos da para pensar que el grunge no sólo responde a un estilo musical, sino que fue realmente un movimiento o una escena.

Mad Season en un comienzo tocan en pequeños bares, donde improvisan viejos temas del blues y así también componen – a partir de eso - sus propias canciones. Las agendas de las propias bandas de estos músicos no les permitía grabar material, pero se dieron un espacio a principio del 95 con el ingeniero de sonido de Pearl Jam Brett Elison, y así grabar Above, a la postre el único material que registró Mad Season.

El disco fue un éxito por la época, más que nada por la fama que tenían Pearl Jam y Alice In Chains y porque simplemente el disco era buenísimo, en una época en la cual se privilegiaba la calidad musical antes que otra cosa. Es que eran los noventa y el rock estaba de moda, pensemos que es un año en el cual discos como Mellon Collie And Infinite Sadness es disco de platino y oro en todo el mundo, o que bandas como Blur, Oasis y Radiohead al otro lado del Atlántico son la mayor atracción de la juventud. Bajo este contexto de libertad que la misma industria brindaba al rock, estos músicos se dan el lujo de hacer un disco honesto, simplemente de hacer la música que les gustaría oír, rock primario, bluesero sin otra pretensión que esa.

Mad Season es el nombre que se le da a la estación del año en que los hongos alucinógenos se encuentran en período de recolección. Mad Season, al igual que Alice In Chains, nace en su totalidad del genio compositivo de Layne Staley. El nombre de la banda de cierta forma marca la diferencia estética que tiene con Alice In Chains. Lo digo en el sentido de que AIC es una banda que en un 95% habla de la experiencia de Staley con la heroína. Podríamos perfectamente hacer una genealogía de la discografía de AIC con el efecto devastador que produjo la heroína en el cuerpo de Staley. Sin embargo, Mad Season, aparte de ser un interludio del vocalista con su banda oficial, es también un interludio en la creación a partir de las drogas. El tema que abre el disco ejemplifica en mi opinión esto último, ya “Wake Up” es un llamado a vivir, pero a vivir a partir de una demacración, casi endógena que Staley nos quiere trasuntar. Este tema contiene una tensión tan particular que es imposible abstraerse de ese feeling, de paz que se busca sin poder encontrarla. Son un poco más de 7 minutos brillantes en donde Staley repite y repite “Wake up young man, it's time to wake up…” El testimonio del drogadicto acá es muy distinto al testimonio que existe en AIC por parte de Staley, en Above y en particular en “Wake Up” la paz o ese estado de relajación que imprime el tema jamás se había visto ni se volverá a ver en una canción de Staley. Es que pones la canción y es imposible no resistirse al encanto que tiene, es un temazo de 10 puntos, como decía por la letra, por el feeling del tema, pero por sobre todo por la exquisita instrumentación, el solo en la mitad del tema de McCready, la delicada percusión y los arreglos del teclado en gran parte del tema. “Wake Up” para muchos ES ABOVE, es el pico del disco.

“River Of Deceit” fue uno de los singles del disco, la presentación de lo que era Mad Season para todos. En el video se ve un Layne Staley mucho menos sicótico que en los videos de AIC, con esa estética siempre tan dura, acá no, pareciera que Mad Season y en particular “River Of Deceit” son la tranquilidad que Staley no encontraba. El tema trasunta todo eso, tiene cierta relación con “Wake Up”, pero está enfocado mucho más en su gancho pop que está más definido, lo digo por su coro sobre todo. El riff inicial de McCready es fenomenal. Dentro de estos temas más calmos y no tan marcados por la presencia principal del riff eléctrico, sino que de cierta forma son más experimentales, encontramos una de mis favoritas del disco: “Lone Gone Day”. Tema que tiene un aire medio tropical, pero podríamos pensar en un tropicalísimo psicodélico. Es una especie de bossa nova, marcado por el predominio de la percusión, un xilófono y un contra-bajo, que contienen toda la fuerza de la canción. Es tan genial el tema que el solo de saxo en la mitad de la canción es un arreglo brillante que aparece de forma inesperada. En este tema canta Mark Lanegan (vocalista de Screaming Trees) junto con Staley, y el dueto vocal es sencillamente fenomenal, sobre todo por las diferencias de tono que ambos vocalistas presentan, cuando entra a cantar Staley en un tono más agudo es notabilísimo. A mi gusto es uno de los momentos más altos del disco, sobre todo por las colaboraciones de Lanegan y del saxofonista Eric Walton.

Si hablábamos del nombre Mad Season y su relación con los hongos alucinógenos, podríamos ya entender un poco que la psicodelia que existe en Above es otra que esa psicodelia sicótica de los discos de AIC. “X-Ray Mind” por ejemplo es esa otra psicodelia que aludo, el riff puede ser aún todavía sabbathiano, pero sin embargo dispara para otro lado, quizás ronda más cerca de cosas como Santana. Y esa es otra clave de este disco, que podríamos pensarlo como un disco mucho más “afro americano” que cualquier otra cosa no sólo de Alice In Chains sino que del grunge en general. La influencia del blues, que cruza absolutamente todo el disco, también es adornado con influencias de la música latina por ejemplo y que se notan en “X-Ray Mind” con ese riff santaniano. Pero lo más blues de este disco vive en “Artificial Red”, la banda acá es poseído por un espíritu bluesero ancestral. McCready sobre todo hace explotar su guitarra con sendos riffs mientras Staley se encarna en un negro del Missisipi, sólo que éste es blanco y es del estado de Washington. El tema es notable, en sus 6 minutos y algo que dura, es para muchos otros de los puntos altos del disco.

Los temas digamos más hard rock del disco son tres, está “I’m Above”, “Lifeless Dead” y “I Don’t Known Anything”. La primera es otro dueto con Mark Lanegan que tiene Staley, el tema tiene un cambio de ritmo espectacular que ronda el minuto 2, cuando la batería y la voz de Staley descontrolan el progreso lento y calmo que tenía la canción. Por su parte, “Lifeless Dead” contiene uno de los momentos más identificables con Alice In Chains, es decir, perfectamente Staley podría haber puesto este tema en un disco de AIC. El riff es puro Black Sabbath y Staley gritando su maldición congénita: lifeless dead. El tema es duro, McCready creo que en ningún momento de Pearl Jam sonará así, sinceramente, pensando en muchos temas de Pearl Jam, no tienen esta veta más sabbath, su música si bien rockea en grandes momentos siempre ha sido más cercano a la tradición del hard rock a lo Zeppelin. Pero luego de “Lifeless Dead” viene otro de los éxitos del disco “I Don’t Known Anything”, tema que perfectamente cabe dentro de un disco de Alice In Chains también, pero este me gusta mucho más que el anterior. Es que el riff sincopado, monótono que tiene, es intervenido por ese estribillo marca registrada Layne Staley: estribillo demencial, sicótico, poseído absolutamente. El fraseo es tan demente que no puedes sacarte la melodía de la cabeza en varios días luego de escucharla. Soy de la opinión que este tema más allá de ser un punto alto de Above es uno de los momentos más grosos del rock de los noventa, un puto clásico a esta altura.

Los dos últimos temas del álbum son lo más experimental que trae Above. “November Hotel” es el instrumental del disco, una progresión de 7 minutos, con una guitarra muy protagónica, acá los riffs de Staley (que toca la guitarra también) y McCready son lo principal, en una lucha de riffs fenomenal. Y el tema que cierra el álbum es “All Alone”, una rareza podríamos pensar, comparado con todo el otro material del álbum, aunque como cierre me parece perfecto, de cierta manera el inicio de “Wake Up” y el fin de “All Alone” son un contraste más que atractivo.

Above es uno de los mejores de rock de los noventa, eso es indiscutible, otra seña más del talento de unos de los genios de los noventa, Layne Staley, que el infierno lo guarde en su maldito reino.

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Los Tepetatles - Arau A Go-Go (1965)

2009-01-30T23:00:00.000-08:00

01 - The Tepetatles
02 - Cordobés
03 - Zona Rosa
04 - Que Te Pique El Mozambique
05 - El Último Romántico
06 - Sitting
07 - Rockturno
08 - Teotihuacán A Go Go
09 - Sniff Sniff Gulp Gulp
10 - Tlalocman
11 - Los Monstruos
12 - El Peatón Estaba Muerto Y El Semáforo Lloraba

Hablar del rock mexicano y ¿Por qué no? De todo el rock latinoamericano puede ser algo frustrante, la mayor parte trata de un movimiento sin identidad propia que solo se limita a estar atento a lo que la corriente inglesa y norteamericana del rock produce para después copiar y adaptar con gran destiempo los movimientos que los pioneros van creando, como ya bien lo mencionan los prisioneros en su canción We are Sudamerican rockers o el grupo mexicano Naftalina en su disco Historia del rock nacional, lo nuestro es un rock dedicado a emular a los demás.

El rock en México de finales de los 50s e inicio de los 60s representa perfectamente lo que menciono. La mayor parte era representado por grupos de jóvenes de clase media alta y alta que solo hacían en un principio adaptaciones al español de los éxitos norteamericanos y después lo harían con grupos de la invasión inglesa, esto era en el mejor de los casos ya que en el peor solo sacaban un cover idéntico y sin variaciones a la canción original.

Dentro de esa estéril escena nacional surgió por allá de principios del año de 1965 lo que se podría considerar como la primera grabación indie del rock mexicano. En aquel tiempo se podía ver en escasas tiendas de música de la Ciudad de México , un disco de color rojo en donde aparecía el rostro de 2 individuos, uno al fondo soltando una plena carcajada y el otro dando una especie de grito. Se puede decir que era una especie de portada que no esperábamos ver en aquella época, ya que las disqueras decidían casi siempre tomar una foto del grupo y ya, no había mucho espacio para el desarrollo artístico tanto en la portadas como en la música.

El grupo vemos que esta formado por una serie de personajes muy peculiares como integrantes de la banda Carlos Monsiváis (Escritos y critico político) Alfonso Arau (Actor y director de cine), José Luis Cuevas (Pintor, escritor y escultor), Julián Bert (Unico verdadero músico del grupo el cual fue músico de sesión de Bill Halley) y como colaborador en algunas letras Chava Flores (Musico y poeta urbano)

Al ver todo ese grupo de gente que poco tiene que ver con el mainstream musical de aquella época en México puede ser la explicación del porque pudieran sacar quizás no un disco excelente pero si uno de los mas originales de aquel año de 1965 y que además era cantado completamente en español y acompañado de composiciones propias en su total.

El disco abre con una melodía homónima al nombre del grupo hasta me atrevería a decir que tiene cierta actitud pre-punk no me refiero al lado músical, si no en la letra de la canción ante la frase que dice “..que ante nuestro grito los Beatles perezcan monjas encerradas…” “…Y los tepetatles han llegado ya...” Quizás exagere pero no puedo evitar ver que con eso quieren dar una patada a todo el mainstream del rock e imponer su sonido aunque no fuera en la onda de lo que se consideraba cool. Cordobés tiene una introducción de surf garagero, con letras cantadas en ingles y español un tema que de seguro es dedicado al famoso torero, la carne aquí esta en ese sonido surf infeccioso y que se pone en competencia con las bandas pioneras del surf garage. Zona Rosa es un homenaje a una de las zonas mas populares de la ciudad de México, la estructura musical es muy básica aquí, no tengo mucho que comentar acerca de esto, la única zona rosa que conozco es la de nuestros días y dista mucho de la elegancia que describe el tema, pero quizás este acompañada de cierta ironía. Que te pique el Mozambique es un tema divertido en donde se hace un pequeño juego de palabras acompañadas de un ritmo muy divertido, que me recuerda en cierto sentido al grupo Café Tacuba y que no dudo que lo tomara de ejemplo al escribir sus letras del primer disco. El ultimo romántico Es una balada tocada en tiempo de vals en donde el grupo confiesa que trata de ser “..Cruel y romántico…” como exigen los tiempos modernos, pero no puede evitar caer en los clásicos tópicos de los enamorados, quizás refiriéndose a que se sienten algo mas identificados con los músicos de la vieja escuela, que con el movimiento de sus tiempos. Sitting no es un tema que le encuentre que destaque mucho, musicalmente tiene unas notas de guitarra muy atractivas. Rockturno Podría ser el tema dedicado a la misma chica de el último romántico, el cual contiene una música que contiene cierto toque que te invita a moverte y que junto con la letra y los coros que hablan de batear, no se puede evitar imaginarse una especie de cinismo del grupo, una canción en donde por mas que ruega e implora al final es deshechado. Teotihuacon a go go un rock a go go donde se ensalzan trabalenguas junto con unas deliciosas líneas de bajo y percusiones prehispánicas. El tema tiene poco mas de un minuto de duración y es a partir de aquí en donde los nombres de las canciones empiezan a volverse mas peculiares. Snif Snif Gulp Gulp seria la balada de un llorón, quizás el mismo de rockturno, aquí el tipo abandonado describe sus sentimientos y acciones.Cada línea cantada es seguida por onomatopeyas como grunch, gulp, toc. Tlalocman Para los que no sepan Tlaloc es el dios de la lluvia en la mitología azteca. Tlalocman es una especie de nuevo súper héroe mexicano , el cual tiene que balancear una vida donde usa sus súper poderes para vencer villanos, ver mujeres y pagar quincenas. Los Monstruos es como el rock que todos cantaríamos al conocer a la familia de nuestras novias, trata de un chico lleno de miedo viendo el álbum familiar de su pareja, en donde hace comparaciones grotescas entre la familia de ella, para después hacerlas con su familia y confiesa el temor que sienta al estar cerca la boda. El peatón estaba muerto y el semáforo lloraba Quizás uno de los temas mas divertidos en donde el que canta es una especie de conductor imprudente el cual transita por las calles de la Ciudad de México y describe con la misma dosis de humor que acompaña el disco como atropella y mata viejitas, para después sobornar policías y poder salir del apuro y conducir de nuevo para atropellar a mas ancianos y repetir el mismo ciclo.

Los tepetatles solo sacaron este disco, quizás no sea el mejor disco de rock en español pero como ya lo dije al principio no se puede negar la originalidad y autonomía a la hora de componer, el tratar de olvidar los patrones establecidos del mainstream y tratar de buscar una identidad nacional que después seria imitada por grupos como Café Tacuba en México.

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José Antonio

Dioptria - Pau Riba (1970)

2009-01-28T14:56:00.000-08:00

DISCO 1:

1. Kithou

2. Rosa d'abril (l'amor s'hi posa)

3. Noia de Porcellana

4. Ars erotica (non est mihi)

5. Ja s'ha mort la besàvia

6. Helena, desenganyat

7. Mareta bufona

8. Vostè (tu, tu mateixa)

DISCO 2:

1. Cançó 7a en colors

2. *L'home estàtic*

3. Simfonia 1

4. Simfonia 2

5. Simfonia 3

6. Taxista

Si existe una obra del rock en catalán que pueda llamarse revolucionaria esa es Dioptria. Sí, Dioptria fue, y aún hoy es, un hito en el rock del pequeño triángulo que hay al este de España, e incluso, podríamos decir que de la misma España. Y es que no todos los días, un loco joven sucio, drogado y en medio de un régimen fascista se pone a rockear en su idioma lanzando un grito a toda la sociedad. Mucho menos alguien que es nieto de un gran poeta, pero burgués al fin y al cabo. Sí, así era y es aún el señor Pau Riba.

Hablar de Dioptria hoy es todo un problema. No, no está prohibido, ni censurado, ni nada de eso. Pero al tener DOS Dioptria nos viene el problema. Resulta que tenemos Dioptria I en 1970 y Dioptria II en 1971. El primero tenía bolsa doble, y debía contener al segundo, incluso lista los temas... pero no estan. No sé si no estaban terminados, o si la discográfica no se atrevió a sacar los dos al mismo tiempo. La cosa es que esos dos son uno y los voy a tratar como tal, como se hace en todo lugar que se precie.

Tenemos dos discos que son uno, pero a la vez son diferentes. El primero rockea, el segundo son devaneos místicos folk que vuelven loco. El primero critica a la mujer. El segundo al hombre. El primero está lleno de furia y palabras hirientes. El segundo proclama la máxima hippie de unión con la naturaleza. Pero conviven, para llamar a la sociedad en pleno franquismo, para decirles “¿no estáis hartos de tanto conformismo?”. Se puede decir que estaba Llach, Raimon y otros músicos de la Nova Cançó para esa crítica. Pero ninguno de los dos lo había hecho de esta forma. Mientras aquellos se ponían a cantar serios, con sus guitarras, clamando a la libertad, Riba (metafóricamente) se baja los pantalones y muestra el culo a todo el país. Se ríe de las tópicas mujeres: amas de casa, jovencitas santas, esposas insatisfechas. Le canta las cuarenta al hombre estático, que no se mueve aún viendo que todo va mal. Pero lo hace metiéndose en la piel de todo. Nos habla de Kithou, de Elisabeth, de Conxita Casas, de Helena. Luego nos cuenta de él mismo, porque al fin y al cabo, él es ese hombre que critica. Y no solo en la lírica es diferente a los cantautores mencionados antes. Dije que ellos tomaban la guitarra y a cantar. Riba toma una banda de rock, para hacer mucho más ruido, porque no quiere protestar en realidad, el quiere hacer la música que le gusta, siendo esto su única protesta.

Y bien, hay reflexiones para mucho rato sobre este álbum, pero lo importante es lo que hay grabado, los temas, a lo que voy. Riba era fan de Dylan, de Hendrix y por otra parte la canción folklórica catalana. Y esto en resumen es lo que oímos en el álbum.

Vayamos al disco 1. Llama mucho la atención como destacan las guitarras y como rockean, en 1970, cuando el rock era la especialidad de los ingleses. Solo hace falta escuchar el primer tema para darse cuenta de todo: Kithou. Una intro de guitarras nos hace pensar en el Floyd de Syd Barrett, pero entonces BUM salta la guitarra solista para romper con todo. Riba, con una melodía muuy demente nos habla de una joven alegre, bella, correcta, con la que bailaba en la plaza por las noches. No hay nada de feroz en la letra, pero lo frenético de la música me hace pensar en algo sucio en todo ello. No sé si debe ser así. En todo caso la crítica empieza con la siguiente pieza, Rosa d’abril (l’amor s’hi posa). Con una música que recuerda al Dylan de Highway 61 Revisited Riba canta a Elisabeth, una muchacha francesa con la que pasó una noche corta y de la que nunca volverá a saber nada. Le canta con una rosa en las manos, que le habría de regalar según la tradición, pero acaba lanzando al aire decidido a olvidarla. El tema que viene se gana el nombre de clásico y a pesar de contener la melodía y música más suave del disco, es el tema más irónico y cruel de Dioptria. Noia de Porcellana empieza como una bella balada acústica, a la que se van añadiendo instrumentos, como una flauta, un piano y una melodiosa guitarra eléctrica que solo embellecen la canción. También se le añade una percusión que le va dando un alegre ritmo. Mientras la música nos empalaga la letra dice “Chica de porcelana, buscaba una alma dentro de ti, y eso era como buscar mariposas blancas en la nieve”, y entre otras, la perfecta estrofa final “Chica de porcelana, que quieres que te den sin dar nada? Eres fría e inhumana, te preocupas de cinco a siete”. La chica fina, delicada, virginal, que vive para hacer lo correcto. Chica que seguramente de mayor será como la señorita Conxita Casas, protagonista del siguiente tema , Ars Erotica (non est mihi). La loca burla a la mujer que lleva años buscando marido para tener hijos. Una mujer con los pechos caídos, con unas bragas enormes, sostenes como sacos de grano... y... debería poner toda la letra para que se viesen la genial descripción que hace Riba en este genial ROCK. Un rock muy jazzero que hace moverse al más estático, con una parte intermedia con algunas vocecitas bastante divertidas. Si el anterior era un clásico este no es menos. Seguimos con un réquiem a una bisabuela, Ja s'ha mort la besàvia, de la que parece que se esperaba la muerte con muchas ganas. El tono lúgubre del tema no lo hace muy atrayente, pero tiene detalles acústicos y de órgano muy interesantes, y un final bastante curioso. Helena, desenganyat, el himno a la chica que se ha hecho mayor y le cuentan de que va la vida un poco. Con una intro muy barroca con flauta, se da entrada a una melodía muy poppie para un intermedio musical con piano y guitarra y unos coros en crescendo llegando al clímax final para hacer de este uno de mis temas favoritos. Mareta Bufona le sigue, y aunque se hace un poco tedioso por la loca voz de Riba tiene unos arreglos bastante interesantes. Musicalmente se parece demasiado a los temas anteriores, cosa que lo hace inferior. Para acabar el primer disco, otro temazo: Vosté (tu, tu mateixa). Se trata del insulto definitivo de Riba a la mujer. Empieza suave con solo la voz de Riba a la que se añaden guitarras, panderetas, y poco a poco toda la banda para estallar con el grito final “te estoy llamando PROSTITUTA!”. Una mujer que “calla siempre y obedece, se esconde y reza)” porque así lo marca la tradición, haciendo y yendo donde le dicen porque “tienes los ojos llenos de flores, y la boca, nariz y orejas, para ignorar el grito y el lloro”. A cada estrofa agarra más potencia, para acabar con el máximo de potencia que ofrecen los dos discos.

Toca el segundo disco, a mi parecer no tan bueno, pero que a pesar de esto contiene el mejor tema de los dos, L’home estàtic. Vendría a ser lo que es Desolation Row para Dylan, para Pau, salvando las diferencias claro. Antes de hablar de los temas de este segundo disco, se ha de decir que el cambio estilístico es notable, ya que todos los arreglos de aquí son muy folk, al estilo de Tyrannosaurus Rex , ese dúo donde estaba Marc Bolan antes de aprender a hacer rock. Cançó 7ª en colors ya muestra todo esto con la intro de bongos a los que se suman las guitarras acústicas y Pau canta muy fumado sobre los cambios de estaciones en la cabeza de un tipo, donde primero crece hierba, luego flores, vienen pájaros... bah, es una locura! A pesar de eso, a mi me gusta bastante la melodía y locura que respira el tema, pero, representaba que estaba criticando al hombre! Que es esto? Ah, ahora viene eso. L’home estàtic, el temazo del disco. La intro de dos acústicas ya hace pensar en algo grande que viene, y los primeros versos cantados por Riba lo confirman. Habla de la vida de un hombre estático, desde su nacimiento hasta la muerte. Narrando diferentes situaciones de su vida muestra como le pasa de todo por delante sin que el llegue a reaccionar, perdiendo el amor y todas las oportunidades que surgen ante él, lo que le acaba matando. No hay mucho para contar de ella, pero me encanta. Escúchenla atentos, denle atención a la letra, busquen una traducción, es genial. Le siguen al tema 3 sinfonías, siendo destacables la primera, la segunda (que se trata de un rock! al parecer quedaba algo de guitarra eléctrica en este disco) y algún fragmento de la tercera. La temática aún no me queda clara ni a mí. Para finalizar tenemos el tema Taxista, donde la guitarra eléctrica vuelve a asomar y que se trata de una continuación de un tema con el mismo nombre que había sacado en 1968, donde pedía a un taxista que le llevase al cielo, porque buscaba trabajo. Ahora dice que ya no lo lleve al cielo, porque en cierta forma, ya no quiere encajar en esa sociedad. Empieza acústica y jazzera, para terminar rock y loca. Un bonito final, aunque no a la altura del primer disco.

En fin, merece ser escuchado. Todo catalán por lo menos debería hacerlo para conocer algo de su identidad. Porque más allá de todo nacionalismo, hay personas, hay humor, hay ganas de vivir, formas de hacer. Todo no catalán, pero fan del rock, también debería escucharlo. Se trata de una obra bastante competente musicalmente y con una actitud 100% rock.

Acá los links:

Disco 1

Disco 2

Samuel

Pequeña introducción al blog ATN

2009-01-23T09:07:00.000-08:00

Hola, les explicare un poco de que se trata esto. Este blog está hecho para desarrollar dos ideas salidas de All Together Now, un foro de discusión de musica rock y otras cosas.

La primera idea es dejar acá los compilados relizados por un miembro de nuestra comunidad (Monkey Man) a base de las canciones que le envían miembros de la comunidad. Estos compilados son temáticos y se realizan mensualmente. El primero que realizamos tenía como tema la navidad o canciones de temas navideños y de fin de año. Para este mes de enero estamos preparando el compilado de "canciones en lenguas que no sean ni inglés ni español". Los dos que acabo de mencionar, más los que se aproximan en el futuro, serán colocados acá a la descarga de todos.

La segunda idea es mas ambiciosa y compleja: se trata de formar un "Magazine musical", formado a base de la colaboración de los miembros del foro. Esperamos que este proyecto comience muy pronto, como solemos idear y poner en práctica siempre en nuestra irreverente y creativa comunidad, por lo que ocuparemos este espacio para ensayar los primeros contenidos de la revista, poniendo diversos artículos, revisiones de música y demás.

Para enterarse de más cosas vayan directo a nuestro foro http://alltogethernow.freeforums.org/index.php

The Seeker